El coleccionista

Drama psicológico del maestro William Wyler de 1965. Un coleccionista de mariposas que ha tenido la fortuna de que le toque la lotería está obsesionado con una chica que ni siquiera se ha fijado en él. Por casualidad conoce una casa con un sótano que le hace pensar en un plan. Decide secuestrarla para darle la oportunidad de que le conozca y pueda enamorarse de él. Evidentemente, los sentimientos que se van generando entre ambos son más que encontrados.

Se trata de uno de los más intensos y pausados dramas psicológicos que se han rodado jamás. Sólo hay una pequeña introducción antes de centrarse en la relación entre los dos protagonistas, secuestrada y secuestrador. No obstante, esa pequeña introducción ya sirve para presentarnos al psicópata y para ir dejando al espectador pegado al asiento. A partir de ahí, Wyler nos ofrece un retrato escalofriante de un enfermo y de su víctima, y la relación forzada que se genera entre ambos. Deja que sean los actores los que lleven todo el peso de la trama, siendo ellos los responsables en buena medida del resultado. Aunque la pareja protagonista está magnífica, Terence Stamp sobresale con una impresionante actuación llena de pequeños gestos y transmitiendo una enorme frialdad (y lucha interna, a veces) con su rostro y, muy especialmente, con su mirada. Samantha Eggar también realiza una buena interpretación con un papel nada fácil, pero no tiene tanta amplitud de matices como su compañero.

Inquietante cinta, muy sencilla en medios pero de buena calidad.

Caza a la espía

Thriller político de 2010 dirigido por Doug Liman. Una agente secreta de la CIA se encuentra investigando meses después del ataque a las torres gemelas de 11/09/2001 la posibilidad de que Iraq tenga armas de destrucción masivas. Incluso la CIA le pide a su esposo, antiguo embajador de países del África, que investigue la posible compra de uranio por Iraq. Todo apunta a que no existen esas armas ni un programa para tenerlas, pero el Gobierno dice que sí y comienza la invasión al país. El marido escribe una carta a un periódico y enseguida el Gobierno desclasifica la identificación de la agente, poniéndola en peligro en el ojo del huracán.

Liman nos presenta la historia real de Valerie Plame basándose en su propia autobiografía. Fue todo un escándalo en USA que aún hoy sigue sorprendiendo porque se comprueba cómo se falsificaron las pruebas que se presentaron para justificar la invasión de Iraq y el derrocamiento del régimen de Sadam Hussein. Así, sólo cabe explicar este hecho por los intereses económicos de las grandes corporaciones que hacen lobby en Washington. Por lo tanto, la trama no puede ser más interesante tanto por su importancia como por el hecho de ser tan reciente. La primera parte de la película es un poco liosa y no está bien estructurada, por lo que parece un poco inconexa y sólo consigue desenganchar al espectador. Más tarde empiezan a encajar las piezas y a crecer la intriga. Liman podría haber enfocado el argumento más claramente desde el inicio y haber aportado más en la parte de la defensa de la agente por salvar su honor y hasta su vida. De ahí que el resultado sea bastante decente pero no llegue a más. La pareja protagonista está a un buen nivel, tanto Naomi Watts como Sean Penn, y dan mucha credibilidad a la historia.

Interesante hecho real reciente, mezclando espionaje y política.

Más allá de la vida

Drama de 2010 dirigida por el maestro Clint Eastwood. Nos cuenta la historia de tres personas que han tenido tres tipos distintos de contacto con la muerte, y cómo les está afectando esa experiencia en su día a día. El único denominador común es que les ha cambiado la vida por completo.

El maestro Eastwood quiso con esta cinta meterse en el terreno de lo sobrenatural y la búsqueda de lo que hay tras la muerte. Comienza de una manera sobrecogedora y espectacular, y va desarrollando tres historias paralelas con protagonistas que tienen alguna experiencia con la muerte. Son muy distintas, una de ellas bastante dura y triste con el añadido de afectar a un niño. Eastwood rueda con mano firme y muy directa el drama que viven estas tres personas, consiguiendo atrapar al espectador cada vez más conforme van avanzando las historias. Nos hace reflexionar sobre la muerte y acompaña las imágenes con una estupenda banda sonora compuesta por él mismo. Entre el grupo de actores destacan los hermanos McLaren y el siempre solvente Matt Damon.No es tan profunda y de tanta calidad como la mayoría de sus obras, pues es algo irregular, pero aún así vale la pena.

Interesante reflexión con tres perspectivas de la muerte.

La espía nº 13

Película de 1934 dirigida por Richard Boleslawski. Durante la Guerra de Secesión americana, los yanquis buscan espías para mandar al sur y poder desvelar sus planes. Se une a este equipo una actriz como la espía nº 13 y enseguida es mandada en una misión. Conoce a oficiales sudista y se enamora de uno de los más conocidos espías confederados.

Se trata de un tema muy interesante, el uso de espías por ambos ejércitos durante la Guerra Civil, tanto hombres como mujeres. El inconveniente es que no se profundiza demasiado en la árdua tarea que estas personas tenían, aunque sí se pone de manifiesto el tremendo riesgo que corrían. Con todo, la trama es entretenida y despierta el interés enseguida. Como lado positivo está la presencia de Gary Cooper, bien joven pero sólido. Por el contrario, la protagonista femenina, Marion Davies, es poco natural y su interpretación suele ser exagerada. Sí que destaca su trabajo cuando se hace pasar por una mulata, sobre todo si se ve en V.O. y se puede percibir su entonación y acento. Boleslawski también abusa algo de varias escenas musicales que aportan poco al argumento pero que estaban de moda en la época con la intoducción del sonido en las películas.

Entretenida, con un tema muy interesante pero quedando algo superficial.

Sueños de un seductor

Comedia de 1972 dirigida por Herbert Ross. Un joven es abandonado por su esposa y recibe la ayuda de un matrimonio amigo para encontrar una nueva pareja. Sus inseguridades hacen que fracasen las citas y se va dando cuenta que se está enamorando de la mujer de su amigo. También recibe la ayuda de un ficticio e idealizado Humphrey Bogart.

Con guión de Woody Allen basado en su propia obra de teatro y protagonizada por él, es una cinta propia de esta etapa de este cineasta. Gira en torno a la pareja y la inseguridad de muchas personas a iniciar una nueva relación, siendo el principal personaje una persona extremadamente nerviosa y neurótica, figura que se repite constantemente en el cine de Allen. También es un homenaje al gran clásico Casablanca y el gran Bogart, hecho de una manera particular y con ingenio, aunque a veces cae en el chiste fácil y algo tonto. Como intérprete, Allen está en uno de sus papeles más exagerados, bordando la interpretación del personaje. Muestra mucha química con Diane Keaton, siendo ésta su primera colaboración juntos. En general, es buena gracias al talento de Allen (sobre todo por los recargados diálogos y pensamientos "en alto") pero está lejos de sus mejores obras

Buena comedia aunque con altibajos.

M, el vampiro de Dusseldorf

Clásico de 1931 dirigida por Fritz Lang. Un asesino de niños siembra el terror en la ciudad de manera que la policía es presionada para capturar el criminal. Se hacen contínuas redadas pero sin resultado, aunque sí que está afectando al resto de maleantes. Éstos deciden también iniciar la búsqueda por su cuenta para volver a una situación normalizada.

Cuando en Hollywood estaban en pleno debate sobre el valor del cine sonoro, Lang hizo esta joya en el que demostraba lo que se podía hacer con el sonido. Una de las cosas que hizo fue enseñar que el sonido no sólo era para los diálogos, sino también para melodías, silbidos, gritos o, especialmente, resaltar el silencio. Fue una película pionera y aún hoy sorprende su modernidad. Lang demuestra su maestría con las sutilezas y el arte de sugerir, con la creación de un suspense desde el primer minuto transmitiendo una gran angustia al espectador y un monólogo final que congela la sangre. A ello contribuye genialmente la interpretación de Peter Lorre, realmente escalofriante. El retrato de Lang y Lorre del psicópata marcó una escuela que sigue vigente 70 años después.

Imprescindible.

La última primavera

Película dirigida por Charles Dance en 2004. A las puertas de la II Guerra Mundial en Cornualles un par de ancianas hermanas viven en su casa junto al mar, a las afueras de la población. Un día encuentran en la costa a un joven casi ahogado y lo llevan a su casa para que se recupere. Nadie sabe de ningún naufragio y el chico es extranjero por lo que no conoce el idioma, siendo un misterio el motivo de que haya aparecido. Su presencia despierta sentimientos distintos entre las hermanas que lo cobijan, incluso celos ante la inesperada aparición de otra joven extranjera.

Dance también es el autor del guión que crea un entorno ideal, una situación interesante, unos personajes muy atractivos, pero que falla a la hora de mezclar todo y profundizar en los planteamientos que parece hacer. La producción es bastante buena y Dance contó con un excelente reparto, director de música, fotografía, vestuario, artística, etc. Por ello, es muy agradable de ver pero no consigue atrapar al espectador, que ve la presentación de una trama con varias opciones (centrado en el amor, drama de la vejez, la intriga, historia musical) pero que finalmente va navegando de una a otra sin llegar a desarrollar adecuadamente ninguna de ellas. Lo mejor, la extraordinaria pareja protagonista, Judi Dench y Maggie Smith, que demuestran ser de las mejores actrices maduras del panorama actual. También hay solventes secundarios entre los que destaca Miriam Margolyes, pero que todos están a buen nivel. La conclusión es que tiene un prometedor planteamiento pero que nunca llega a cubrir las expectativas generadas.

Buena calidad pero con resultado algo fallido en conjunto.

Erase una vez en América

Gran película de 1984 dirigida por Sergio Leone. Cuenta la vida de una pandilla de amigos que crecen haciendo trabajos para grupos mafiosos hasta que acaban organizando su propia banda. Durante los años de la prohibición se enriquecen y tras ella buscan planes alternativos para mantener su ritmo de vida.

Se trata sin duda de la obra cumbre de Leone, aunque muchos prefieren alguno de sus conocidos westerns. Se reunió de sus grandes colaboradores, haciendo todos unos trabajos extraordinarios: la preciosa música de Ennio Morricone, la bella fotografía de Tonino Delli Colli, etc. Leone demuestra su maestría en la dirección, imprimiendo un gran carácter a todos los personajes que intervienen e imprimiendo un ritmo muy personal que puede aparentar ser lento pero que nos cuenta muchísimas cosas. La historia tiene mucha fuerza, con intrigas, crímenes de todo tipo, traiciones, lealtad, etc., y todos los detalles están cuidados con mimo. También destaca el montaje, optando por un estilo narrativo que va y viene en el tiempo. El reparto es estupendo, encabezado por un espléndido Robert de Niro, y acompañado de otros grandes como James Wood, Elizabeth McGovern, Joe Pesci, Burt Young, Danny Aiello... El resultado es una gran película en todos los aspectos aunque considero el metraje algo excesivo.

Magnífica película sobre la mafia.

Todos los hombres del presidente

Película de 1976 dirigida por Alan J. Pakula. En 1972 se produce el extraño robo en el Watergate, cuartel general nacional del partido demócrata. Dos jóvenes periodistas del Washington Post empiezan a investigar el asunto porque no se terminan de creer la versión oficial y van sorprendiéndose con las averiguaciones que consiguen.

Pakula afrontó el difícil reto de llevar a la gran pantalla la investigación del mayor escándalo político en la historia de los EE.UU. (cualquier escándalo en el mundo suele recibir el apodo acabado en "wate", y este episodio se ha convertido en el paradigma del periodismo de investigación). Adapta el libro que escribieron los dos periodistas, Carl Bernstein y Bob Woodward, siendo el autor del extraordinario guión William Goldman. Consigue transmitir la tensión, la sorpresa y el riesgo que se vive en la redacción y sufren los propios sospechosos. El único inconveniente es que es muy densa, con una gran cantidad de nombres, por lo que no es difícil que el espectador poco relacionado con el hecho se pierda un poco. El reparto es magnífico, pues está formado por un grupo de grandes actores que están inspirados y dejan unos trabajos espléndidos: Robert Redford, Dustin Hoffman, Jason Robards, Jack Warden, Martin Balsam, Hal Holbrook, etc. Una lástima es la pobre calidad de la versión doblada al español, por lo que es recomendable ver la V.O.

Muy interesante y con sobresaliente guión, dirección e interpretaciones.

Código fuente

Thriller de 2011 dirigido por Duncan Jones. Un capitán del ejército se ve repentinamente formando parte de un programa experimental del ejército para la investigación de atentados. Para ello lo introducen en un tren que ha sufrido uno durante los 8 minutos previos una y otra vez para que averigue quién es el terrorista. Se complica la situación cuando, por un lado se va enamorando de una de las pasajeras y, por otro, va descubriendo que tampoco conoce su verdadero estado real.

Tras el éxito de público y crítica de la espléndida Origen en la que los protagonistas se sumergen en el mundo de los sueños, Jones utiliza un elemento parecido: los recuerdos recientes. La película está bien realizada, estructurada y desarrollada, hasta el desenlace que no está a la altura y no encaja para nada con la trama. El guión es de Ray y Ripley, quienes se basan en una teoría para darle cierta credibilidad al argumento, lo cual funciona hasta el comentado final. Aplican dicha teoría para una investigación terrorista y le añaden el suspense con la duda sobre la situación del investigador. Jones consigue crear la tensión apropiada, con un buen ritmo y una producción cuidada. El espectador empieza algo despistado pero en poco tiempo estará bastante enganchado a la intriga y acción. Los protagonistas Jake Gyllenhaal y Michelle Monaghan están bien y muestran buena química. Sin duda que un final acorde al resto de la cinta hubiera elevado el resultado a notable, pero se queda en un mero pasatiempos.

Entretenido thriller de ciencia ficción aunque con fallido final.

Casablanca

Obra maestra de 1942 dirigida por Michael Curtiz. Durante la II Guerra Mundial existe una via de salida de Europa que partía de Francia hacia Casablanca, de allí a Lisboa y luego a USA. El problema era conseguir un visado o salvoconducto en la Casablanca francesa de la época, por lo que muchas personas quedaban allí retenidas eternamente. En Casablanca el local más de moda es el del americano Rick, quien es sorprendido por una antigua amante que aterriza allí con su marido, un conocido activista antinazi, buscando la manera de conseguir el visado en el mercado negro. Este hecho remueve los recuerdos de Nick, especialmente cuando acaban pidiéndole ayuda para coger el avión a Lisboa.

Clásico entre los clásicos, pocos son los que no han visto esta cinta y ninguno el que no ha oído hablar de ella. Es una gran historia de amor y de sacrificio que perdura en el tiempo. El excepcional guión es de Epstein y Koch, basados en la novela de Burnett y Alison, que además de tener una buena estructura y perfilar unos personajes míticos, nos deja varias escenas en que los diálogos han pasado a los anales del cine. Otra piedra angular es el acierto del reparto, pues es inmejorable la química y las interpretaciones de Humphrey Bogart (en su primer papel romántico) y Ingrid Bergman. Pero igualmente brilla Claude Rains, con un papel secundario pero que lo eleva a primera fila gracias a su buen hacer, dándole un carácter parte villano, parte cómico, parte repugnante y parte encantador. Entre el resto del reparto, destacar la breve pero estupenda aparición de Peter Lorre, Sydney Greenstreet y Paul Henreid. La dirección de Curtiz es magnífica, muy elegante y sutil, y el resto de aspectos están igualmente afortunados, como la extraordinaria fotografía de Arthur Edeson, la inolvidable banda sonora de Max Steiner (una de las más conocidas de todos los tiempos), el montaje, dirección artística, etc.

Imprescindible.

Tierra de audaces

Versión romántica de la leyenda de Jesse James y su banda, rodada en 1939 por Henry King. Debido a las malas artes usadas por los empleados del ferrocarril para apropiarse de las tierras por donde éste debía pasar, los hermanos James empiezan a vengarse atracando los trenes. Pronto consiguen gran notoriedad, con una mezcla de admiradores y detractores. James está enamorado e intentará dejar esa vida criminal para poder tener una vida familiar, pero no le será fácil.

Se trata posiblemente de la mejor adaptación, en cuanto a calidad que no a veracidad, de la vida de este forajido. La visión que King da es muy romántica y sentimental, y se omiten o adaptan algunos episodios reales e importantes de la vida de James. El guión de Nunnally Johnson está bien construido, perfilando algunos personajes que le dan vigor a la historia (como el editor del periódico) y desarrolla bien la trama. Exagera bastante, fruto de la perspectiva que se pretende dar, las virtudes y comportamiento de estos criminales, lo cual hace un poco inverosímil lo que vemos. King le aporta su elegancia y su maestría, destacando la puesta en escena en algunos momentos como en el atraco al tren y al último banco. También contribuye la estupenda fotografía de Barnes y Green. Tiene un reparto excelente, contando con Tyrone Power, Henry Fonda, Randolph Scott, Henry Hull (brillando especialmente), Nancy Kelly y John Carradine.

Espléndido western.

Senderos de gloria

Impresionante película del maestro Stanley Kubrick de 1957. Un coronel del ejército francés recibe la orden de salir de sus trincheras para hacerse con una colina, pareciendo la misión completamente imposible. La operación finalmente no sale como el mando militar pensaba y deciden convocar un consejo de guerra para depurar responsabilidades.

Kubrick quiso con esta cinta hacer una dura crítica no sólo contra la Guerra, sino contra el mismo ejército y sus rígidos y distantes escalafones. Muestra cómo se libran varias "batallas": por un lado los soldados que caen en los enfrentamientos (a veces absolutamente estériles) que ordenan los mandos, y por otro los oficiales que piensan en la política, el poder, que disfrutan de fiestas y creen estar sintiendo el terror de la guerra desde sus despachos en lujosos palacios. El magnífico guión del propio Kubrick con Willingham y Thompson está basado en la novela de Humphrey Cobb. Ésta se inspiró en el hecho cierto de la resistencia o hasta amotinamiento que las tropas francesas mostraron en las trincheras y que provocó que las posiciones de ambos bandos se estancaran por un largo período de tiempo. Kubrick rueda de manera muy sobria, evitando mostrar a ningún soldado alemán para hacer hincapié que los dos bandos de esta lucha están en el lado francés. Cuida al detalle las escenas y los movimientos de cámara, dejándola bastante inmóvil a veces y haciendo inolvidables travelling otras (como los de las trincheras). El protagonista es el gran Kirk Douglas con uno de sus mejores trabajos, sabiendo transmitir la indignación y repulsa que siente con su mirada, hasta lo transpira por todos los poros. También destacan George Macready como el egoísta y vengativo general y Adolphe Menjou como el máximo responsable del desastre y posterior ajuste. Por último señalar la extraordinaria fotografía de George Krause y la banda sonora Gerald Fried.

De los mejores alegatos antibélicos y antimilitares de la historia del cine.

Toma el dinero y corre

Primera película como director en solitario de Woody Allen de 1969. Cuenta la historia de un torpe atracador que desde niño las circunstancias y el ambiente le empujaron a convertirse en un criminal. Aunque intenta volver a una vida honrada siempre acabará robando y perseguido por la policía.

Tras una pocas películas como actor, Woody Allen se lanzó con muy pocos medios a hacer una cinta como escritor, protagonista y director, lo que repetiría en muchas ocasiones. El estilo que elige es de un falso documental, como si fuese un capítulo de esos seriales donde nos cuentan la vida de un criminal y salen opinando quienes lo conocieron. Es una comedia pura y dura realizada con una sucesión de gags, la mayoría completamente absurdos, como años más tarde popularizaría Aterriza como puedas. Tiene algunos episodios ocurrentes y otros que carecen de gracia y, en general, está a años luz de las geniales producciones que años más tarde este gran autor haría. Aparecen algunos de los temas recurrentes en el cine de Allen, como la religión y la relación de pareja, pero tratados muy superficialmente y sin el ingenio que luego le caracterizarían.

Pasatiempo que el espectador puede encontrar gracioso o tonto.

La ruleta de la muerte

Última entrega de la saga The thin man, dirigida por Edward Buzzell en 1947. El matrimonio Charles asiste a una gala benéfica en la que se produce un asesinato tras su marcha. Acusan a un amigo suyo, por lo que Nick se ve obligado una vez más envuelto en un extraño y complejo caso.

Buzzell fue el encargado de dirigir la sexta y última entrega de las aventuras del matrimonio de sabuesos Charles y su inseparable perro Asta. El caso que utiliza es tan interesante y complejo como los anteriores, pero mantiene su declive en la parte cómica, aunque conservando el encanto de los protagonistas y un buen nivel de humor. Buena parte del éxito de la película se sigue debiendo a la magnífica pareja protagonista, un excelente William Powell y una estupenda Myrna Loy. Los gestos y comentarios de Powell, las miradas de Loy y las pequeñas actuaciones de Asta nos harán reir nuevamente. Como secundaria de lujo aparece Gloria Grahame, que brilla con luz propia aunque su papel sea pequeño. Todos los demás aspectos tienen una buena calidad, que hace que podamos disfrutar con garantía de esta nueva aventura.

Muy entretenida y bien hecha

La última ola

Película de 1977 dirigida por Peter Weir. Un abogado fiscalista en Sidney se interesa por un caso de asesinato en el que tanto los acusados como la víctima son aborígenes. Empieza a tener extraños sueños premonitorios que lo hacen involucrarse tanto que empieza a temer por su vida y la de su familia.

El australiano Peter Weir quiso con esta cinta hacer una denuncia del genocidio sufrido por el pueblo aborigen y de las circunstancias en las que aún vivían. Refleja muy bien el choque de culturas tan brutal que viven esos últimos miembros de las antiguas tribus, dejando muy claro que en las grandes ciudades prácticamente no existen (la protagonista femenina, al igual que hiciera hace un par de años la australiana Nicole Kidman, reconoce no haber visto un aborigen en su vida). Consigue crear una buena atmósfera, a veces muy inquietante, pero el lento ritmo parece disminuir más en la segunda mitad para acabar con un flojo final que deja mal sabor de boca. Por lo demás, no hay ningún aspecto que destaque por su alta o baja calidad, salvo la banda sonora de Charles Wain que es muy efectista para el tema y argumento.

Interesante documento denuncia, aunque algo fallido resultado de entretenimiento.