Sola en la oscuridad

Película de 1967 dirigida por Terence Young. Una ciega es víctima de unos traficantes de drogas que buscan su mercancía en el interior de una muñeca que, por casualidad y sin conocimiento de lo que contiene, ha llegado a su poder.
Película de suspense que ahonda un poco más en la tragedia de la protagonista debido a la discapacidad que sufre, ceguera. La trama es poco creíble al ver cómo unos mafiosos teóricamente sin escrúpulos montan una farsa muy elaborada para engañar a una inocente ciega. Dicha farsa es entretenida, llega a conseguirse una buena atmósfera y hace que no resulte pesada para el espectador, aunque nunca llega a tejer nada verosímil. Destaca la actuación de Audrey Hepburn, pues no sobreactúa ni cae en una ridícula caricatura de una persona ciega.
Entretenida cinta de suspense.

Pulp fiction

Sorprendente película de 1994 dirigida por Quentin Tarantino. Dos asesinos a las órdenes de un mafioso tienen que ajustar cuentas con un colaborador en asuntos de drogas. Uno de ellos, además, tiene que salir esa noche con la esposa del jefe mientras éste se ocupa de otros asuntos.
Tras el magnífico debut de Tarantino como director con Reservoir dogs, vuelve a demostrar su talento con esta estupenda cinta de violencia y drogas. Utiliza de nuevo una original estructura narrativa, centrada más en contar pequeños episodios que en la cronología de los hechos. Otra similitud con su ópera prima es la importancia que le concede a la banda sonora, pero en esta ocasión la mejora, pues la selección de temas que realiza es impresionante. Se suceden continuamente excelentes piezas musicales que muchas veces coinciden con unas escenas espectaculares que Tarantino escribió expresamente para ellas. El guión es magnífico, cómo hace ver la rutina que supone para los protagonistas la violencia con que conviven. El reparto también es de enorme calidad, devolviendo a John Tavolta al estrellato y lanzando definitivamente a Samuel L. Jackson, además de contar con interpretaciones muy buenas de Uma Thurman, Harvey Keitel, Tim Roth, Bruce Willis, etc. Su calidad en muchos aspectos es indiscutible, así como la violencia expresa que contiene, lo que la hace no adecuada para muchos espectadores.
Película espléndida aunque dura.

El aviador

Película de 2004 dirigida por Martin Scorsese. Biografía del polifacético magnate Howard Hughes, quien heredó una fortuna y consiguió ser una persona clave en el mundo del cine, de la industria de la aviación y de las revistas del corazón.
Scorsese hizo una película con cierto estilo al de los años en que Hughes era protagonista clave en varios sectores de Norteamérica. Retrata al personaje como un perfeccionista muy exigente y compulsivamente enfermizo, tan hábil que no sólo triunfó en los diferentes campos donde trabajó sino que rompió moldes y marcó tendencias. Por ello, este carácter es suficientemente interesante como para captar al espectador. Además, Scorsese recrea muy bien la época, estilos, escenarios, etc., dándole a su protagonista una oportunidad de lucimiento excelente. Se excede algo en el metraje, especialmente mostrando los momentos más paranoicos que sufrió Hughes. Por otro lado, las interpretaciones son bastante buenas, empezando con Leonardo DiCaprio (en pleno proceso de madurez), Alan Alda, Cate Blanchett, Alec Baldwin, Willem Dafoe, Ian Holm, etc.
Buen entretenimiento con una gran recreación de la época.

Los chicos están bien

Película de 2010 dirigida por Lisa Cholodenko. Una pareja de lesbianas con dos hijos ve perturbada su vida cuando éstos consiguen dar con su padre biológico, quien donó esperma años atrás. Están en un momento delicado de relación, pues la hija mayor está a punto de irse a la Universidad y una de las madres acaba de poner en marcha una empresa de jardinería.
Consiguió un buen respaldo de la crítica por varios aspectos como la interpretaciones y el guión, pero en buena medida es por la novedad que supone ver a una pareja homosexual estable con hijos que empieza a tener problemas por la irrupción de un extraño. Seguramente habría pasado casi desapercibida si se tratara de un matrimonio tradicional, aunque habría que seguir reconociendo sus lados buenos. La historia es entretenida intercalando a buenas dosis momentos cómicos con otros más dramáticos, con una carga sexual alta y demasiado explícita en ocasiones. Parece que intenta huir de los tópicos de las parejas homosexuales pero se le da tanta importancia al sexo que acaba cayendo en los mismos.
Pequeña historia de una familia "moderna".

M.A.S.H.

Disparatada película de 1970 dirigida por Robert Altman. Cuenta las aventuras algo alocadas de un grupo de cirujanos en un campamento durante la Guerra de Corea. Se toman su trabajo en serio pero intentan llevar con humor la situación en que se encuentran.
Altman se atrevió a dar una visión menos tensa y seria de la guerra (en plena Guerra de Vietnam) mostrando la vida algo disparatada de un campamento médico. Tuvo un gran éxito de crítica y público, dando lugar a la conocida serie de televisión. Tiene el mérito de hacer un crítica muy ácida sobre la guerra y el propio ejército, al igual que las ocurrencias de algunos gags. Pero hay que decir que otros muchos carecen de gracia e ingenio, por lo que en el aspecto cómico no es mejor que otras muchas películas del montón. Cuenta con un buen reparto con actores como Donald Sutherland, Elliot Gould, Tom Skerrit, Robert Duvall, Sally Kellerman...
Mediocre comedia aunque valiente y original.

La milla verde

Película de 1999 dirigida por Frank Darabont. Durante la Gran Depresión entra en "la milla verde", el corredor de la muerte de una prisión en el sur de USA, un preso que sorprende por su enorme tamaño y por el salvaje doble crimen que cometió. Pero enseguida los carcelarios empiezan a ver un comportamiento inocente y bueno en él, para luego ser testigos del extraordinario don que tiene.
Tras la soberbia Cadena Perpetua, cinco años después Darabont estrenó otro drama carcelario basado en un relato de Stephen King. Comparte muchos de los ingredientes utilizados en aquélla pero no llega a tener su profundidad emocional, a pesar de conseguir nuevamente un estupendo nivel. Darabont vuelve a demostrar su habilidad en contar historias, en crear unas relaciones personales más que interesantes en un ambiente tan particular, en obtener unas magníficas interpretaciones de sus actores, etc. En esta ocasión se extiende algo más de lo necesario haciendo que llegue hasta casi las 3 horas, pero no por ello se hace muy lenta o pesada aunque tampoco aportando nada. El reparto es espléndido y todos encajan de maravilla con sus personajes: Tom Hanks, David Morse, Barry Pepper, Sam Rockwell, Michael Clarke Duncan, James Cromwell, etc. Igualmente brillantes son todos los aspectos técnicos: la dirección artística, fotografía, vestuario,...
Buen drama carcelario con tintes sobrenaturales.

La princesa prometida

Película de 1987 dirigida por Rob Reiner. En un lejano reino, unos jóvenes se prometen amor verdadero y el chico decide ir a buscar fortuna antes de casarse para ser merecedor de ella. Pero cae en manos de un conocido pirata y lo matan. Cinco años después el príncipe la elige a ella como prometida, pero la secuestran e intentan sacarla del reino. Un obstinado enmascarado los persigue sin descanso hasta alcanzarlos.

Reiner llevó a las pantallas un cuento romántico y de mucha acción, realizándolo con gran encanto y magia. Para poder marcar aún más los rasgos propios de un cuento, muestra la historia como una historieta que un abuelo le cuenta a su nieto enfermo. El guión de William Goldman es excelente, pues consigue llevar toda la magia de un cuento infantil romántico pero con muchas aventuras y golpes de humor que hacen que sea igual de entretenida para niños que para adultos. Tiene algunos diálogos que se han convertido en frases célebres y memorables, auténticas perlas. La banda sonora de Mark Knopfler es extraordinaria y reconocible ya por todos. Reiner decidió contar con un grupo de actores poco conocidos por entonces para que al público no les recordara ningún otro personaje, lo cual fue un acierto porque todos están bastante bien. El director se fue consciente de que lo más importante era la historia y que debía conseguir rodarla con ese halo especial y difícil de plasmar en la pantalla que tienen los cuentos, y logró su objetivo a pesar de no tener a su disposición espectaculares efectos especiales.
Estupendo entretenimiento familiar.

De ilusión también se vive

Clásico navideño de 1947 dirigido por George Seaton. Iniciándose la Navidad unos grandes almacenes contratan un señor para hacer de Santa Claus que acaba revolucionando la ciudad gracias a su buena interpretación y anteponer el espíritu navideño a lo comercial. El reto más complicado es convencer a la mujer que lo contrató y a su hija que él es verdaderamente Santa Claus y de la magia que tiene toda la Navidad.

Seaton dirigió uno de los mayores clásicos de Navidad con este cuento de muy buenas intenciones que pretende demostrar en pleno siglo XX que Santa Claus existe. Aunque el comienzo es algo titubeante luego tiene un desarrollo entretenido, bonito y bastante simpático que hacen que sea amena y muy adecuada para estas fechas. Seaton es también el responsable del guión, que es el aspecto más destacable de la cinta (junto a los actores) pues combina de manera adecuada la componente navideña con el mundo real actual y con un toque de humor y hasta magia. Encabeza el reparto dos actrices que fueron enormes estrellas en diferentes épocas: Maureen O´Hara y Natalie Wood.

Recomendable para toda la familia.

La leyenda de Santa Claus

Película navideña de 2007 dirigida por Juha Wuolijoki. Nos cuenta la historia de Santa Claus, su origen, desde que era niño hasta que que se convirtió en la figura de referencia mundial de la Navidad, especialmente para los niños.

Sorprendente película finlandesa sobre el origen de Santa Claus que se convirtió en la más taquillera de la historia del país escandinavo. Relata la historia humilde y hasta triste de Santa Claus, el porqué de su dedicación tan especial, y lo hace de una manera amena y bien realizada. Gusta a toda la familia aunque provoque algunos nudos de garganta, pero el mensaje es feliz y de gran ilusión. Es una película modesta pero se nota el cuidado y cariño puesto en ella.

Bonita película navideña.

El ángel negro

Película de 1938 dirigida por H.C. Potter. Tras entrar los USA en la I Guerra Mundial un grupo de reclutas llega a Nueva York provinientes de todo el país. Un joven texano se enamora cuando por casualidad conoce a una joven actriz famosa, y le pide que se haga pasar por su novia para poder presumir ante sus compañeros. Se citan en varias ocasiones y algo empieza a surgir entre ambos.

Potter rueda una historia de amor con el trasfondo de la entrada de los USA en la Gran Guerra, lo cual hizo que miles de jóvenes salieran por primera vez de sus entornos para ir primero a una gran ciudad y luego a Europa. La trama es bonita aunque uno no termina de creerse la historia. El guión de Dana Burnet es algo simple, presenta a unos personajes relativamente interesantes y los entrelaza de forma algo superficial. Aún así, su desarrollo se mantiene con cierta consistencia y no llega a ser tan predecible como uno espera. Lo mejor es el reparto, con un dúo masculino de auténtico lujo, James Stewart y Walter Pidgeon, y una protagonista femenina que tuvo su momento pero que luego la salud le fue fallando, Margaret Sullavan (fue esposa de, entre otros, Henry Fonda y William Wyler).

Bonita historia romántica aunque algo inocentona.

El gran milagro

Película de 1939 dirigida por Irving Cummings. Es la historia del inventor del teléfono desde que empezó con la idea hasta que terminó el juicio por su patente con la poderosa Western Union (al menos, como se creía que había ocurrido la invención de dicho artilugio en aquella época).

Esta cinta fue todo un éxito en la época, tanto como para que se conociera popularmente el teléfono como un "Ameche" (y así lo explica Barbara Stanwyck en Bola de fuego), aunque ha perdido casi toda su popularidad y es poco conocida hoy en día. Es la historia de la invención del teléfono, aunque luego se demostrara que su auténtico inventor fuese Antonio Meucci, convertida en un relato de amor y de superación. El guión está bien construido, dramatizando hábilmente los sucesos como para enganchar al espectador. Hace que se empatice enormemente con el señor Bell debido a su enconada lucha por conseguir que fuese posible el invento así como para que lograra la estabilidad para casarse con su amada, además de su labor e intención de ayudar a personas sordomudas. Destaca el reparto, encabezado por el ya mencionado Don Ameche, un secundario inmejorable como Henry Fonda y otros actores de la talla de Loretta Young, Charles Coburn y Gene Lockhart. Cumming logra marcar un ritmo muy adecuado con la mezcla justa de drama y sensibilidad, consiguiendo que el resultado sea bonito y entretenido. Por último, destacar la buena fotografía de Leon Shamroy.

Interesante, entretenida y bien realizada.

La herencia del viento

Película de 1960 dirigida por Stanley Kramer. Un profesor de una escuela de una pequeña población de USA es detenido y acusado de violar la ley por enseñar la teoría de la evolución de Darwin, porque supuestamente está en contra de las Sagradas Escrituras. Enseguida un conocido político de la zona se ofrece para hacer de fiscal y un periódico de Baltimore consigue un reputado abogado para hacer la defensa.

Kramer lleva a la gran pantalla un sorprendente episodio real ocurrido en los años 20, adaptando la obra de teatro que lo dio a conocer entre el gran público. La primera pieza clave es el guión, pues la trama es más que interesante y sólo era necesario contarla bien. Está a buena altura el libreto de Young y Smith, con algunos diálogos muy ingeniosos y afilados, con un desarrollo del juicio apropiado, aunque en algunos momentos dilata la acción excesivamente y pierde algo de ritmo. El segundo pilar es la interpretación de las estrellas que se reúnen: Gene Kelly (estupendo su trabajo sin tener que cantar ni bailar), Spencer Tracy (brillante, como siempre), Fredric March (un gran actor que no es tan conocido como debiera), Dick York... Por último, destacar la dirección de Kramer que aborda el tema como denuncia pero sin caer en una propaganda excesiva y la magnífica fotografía en blanco y negro de Ernest Lazzlo.

Buen cine judicial basado en hechos reales.

Polar Express

Película de 2004 dirigida por Robert Zemeckis. Es Nochebuena y un chico se va a la cama desconfiado de que venga Papa Noel porque ha empezado a dejar de creer en él. Al poco de dormirse unos temblores le despiertan. Se trata de un tren que para en su puerta para recogerle y llevarle al Polo Norte. Tras pensárselo detenidamente, decide subir para descubrir si Papa Noel existe o no.

Zemeckis utilizó una novedosa tecnología por la que convertía imágenes reales en animados, pero el resultado no pareció gustar al gran público y fue un fracaso en taquilla, no llegando a recuperar los 150 millones invertidos. Es la adaptación de un cuento popular de Chris Van Allsburg sobre la Navidad y cuando los niños empiezan a dejar de creer en Papa Noel al ir creciendo. El guión del propio Zemeckis y Broyles es bastante bueno, con personajes interesantes y curiosos, con muchas aventuras y creando la magia debida para el tema en cuestión. Tiene escenas deslumbrantes que hacen que el espectador sienta la emoción del viaje, alternando momentos cómicos con otros más tiernos y con mensaje navideño. La banda sonora de Alan Silvestri es realmente bonita y encaja perfectamente con el tema. En general, visualmente espectacular y encantadora en el fondo, haciendo las delicias de pequeños y mayores.

Muy entretenida, de las mejores de animación sobre la Navidad.

Sospechoso

Película de 1987 dirigida por Peter Yates. Un vagabundo violento es detenido y acusado del asesinato de una secretaria judicial. Se le asigna una abogada de oficia quien comprende la falta de colaboración inicial y empieza a creer en su inocencia. Afortunadamente para ambos, un miembro del tribunal se interesa más de lo habitual y decide investigar por su cuenta.

Cinta judicial sobre un caso donde se mezcla un simple caso de asesinato por robo con la ambición del poder. La trama es bastante clásica dentro de este género: se produce un crimen, el abogado investiga el caso teniendo todo en contra del cliente y poco a poco van apareciendo pistas que pueden ayudar a encontrar la verdad. No aporta nada nuevo pero sí que lo hace de manera decente y entretenida. Los ingredientes son: un guión adecuado aunque no brillante, un buen reparto (Cher, Dennis Quaid, Liam Neeson, Joe Mantegna, John Mahoney) y una digna dirección. Todo ello hace que el espectador disfrute de este suspense judicial.

Buena intriga judicial.

El resplandor

Clásico del cine de terror de 1980 dirigida por el maestro Stanley Kubrick. Una familia compuesta por el matrimonio y un pequeño hijo son contratados para cuidar un hotel de montaña durante el período invernal por cierre. Son advertidos de la dureza y soledad de quedarse completamente aislados durante más de medio año, y de la tragedia que ocurrió años atrás cuado el cuidador del hotel mató a su esposa e hijas en un ataque de locura. Pero necesitan el trabajo y piensan que esa tranquilidad le vendrá muy bien a él para escribir un libro. Conforme pasa el tiempo y se va enfrentando a la máquina de escribir sin nada de inspiración va teniendo un comportamiento cada vez más extraño.

Kubrick decidió adentrarse en el género de terror rompiendo sus moldes tradicionales: penumbra, sobresaltos, monstruos/zombies, etc. Rueda con mucha luz, planos amplios, escenarios impolutos y prefiere el suspense al sobresalto. Explota como casi nadie ha conseguido el terror psicológico y la angustia de un escenario amplio pero cerrado. Nadie podía imaginar que un niño en triciclo por unos laberínticos pasillos podía asustar al espectador, pero ahí han quedado esas escenas para la historia. La banda sonora es tan austera como la estética visual, pero enormemente efectista, realmente estupenda. Y el otro aspecto que sobresale espectacularmente es la inquietante interpretación de Jack Nicholson. Su trabajo dando vida al ya mítico Jack Torrance es simplemente espeluznante. También estremece la actuación del niño, Danny Lloyd. Es altamente recomendable ver la versión original porque la doblada destrozó la película.

Una de las mejores cintas de terror.

El ultimátum de Bourne

Película de 2007 dirigida por Paul Greengrass. La acción continua en Moscú donde se quedó la aventura anterior, tras ver a la hija de Nesky. Un periodista británico sigue la pista de algunos hechos de Bourne y consigue que alguien de la CIA le dé información. Bourne va a buscarlo para intentar que le ayude a esclarecer lo sucedido pero la propia CIA también va a por él para detectar a la fuente traidora.

Última aventura del agente encarnado por Matt Damon y que vuelve a dirigir Greengrass. Lo mejor y nada sencillo es que mantiene el nivel de las anteriores siguiendo la misma receta: excelente guión, realismo en las escenas de lucha y persecuciones, sólido reparto y estupenda dirección. Para esta entrega se suman actores como Scott Glenn, David Strathairn y Albert Finney. Hay varias escenas que quitan la respiración y que son un ejemplo de ritmo, montaje, dirección, etc. El espectador se queda enganchado de principio a fin.

Brillante final para la saga.

Lock and stock

Sorprendente película de 1998 dirigida por Guy Ritchie. Cuatro amigos ahorran 100.000 libras para que uno de ellos se las juege en una partida de póker. Pero el anfitrión no juega limpio y consigue ganarles todo el dinero más un préstamo de medio millón, dándoles una semana para que reúnan el dinero. Los amigos se ven desesperados pero dan con un plan que les puede resolver el problema.

Ritchie escribió y dirigió esta estupenda película de gángsteres en tono de comedia negra. Lo mejor es su estilo narrativo y el ingenioso guión, que dotan a la cinta de un ritmo y un atractivo enorme. El argumento principal no es especialmente original, pero sí todo su desarrollo, el excelente desenlace y el estilo comentado, además de un cuidado montaje. Se nota que los medios con los que contó eran limitados, pero eso no afecta en absoluto al resultado. Los actores están bastante bien, todo caras desconocidas para el gran público salvo las colaboraciones del cantante Sting y del futbolista Vinnie Jones. Aunque tiene un trasfondo y escenas violentas, el director prefiere no ser explícito. Visualmente tiene mucha fuerza y la gran banda sonora seleccionada la hace aún más poderosa, quedando el espectador plenamente atrapado.

Muy interesante y entretenida.

El mito de Bourne

Película de 2004 dirigida por Paul Greengrass. Bourne está intentando rehacer su vida escondido con su novia en India pero un complot de un topo de la CIA lo incrimina en un doble asesinato. Para tapar aún más la pista, también intentan eliminarlo a él, lo que hace que se ponga a investigar para descubrir la realidad. Él piensa que el programa Treadstone sigue vigente y son los que quieren acabar con su vida, pero la situación es más complicada.

Segunda entrega de la trilogía del personaje creado por Robert Ludlum tomando el relevo en la dirección Paul Greengrass. Mantiene un estilo similar a la primera, empezando con un sólido guión que pone la acción al servicio de la historia y no al revés. Las escenas de lucha mantienen su realismo y no parecen una parodia de un videojuego, como suele ocurrir a menudo, aunque a veces Greengrass abusa del movimiento de cámara. Igualmente podemos disfrutar de una magnífica persecución en coche en una soberbia escena. Y el último pilar es el sólido reparto, estando encabezado nuevamente por Matt Damon y ahora acompañado de Joan Allen (excelente en su papel), Brian Cox, Julia Stiles, etc.

Espléndido thriller.

Mientras dormías

Encantadora comedia romántica de 1995 dirigida por Jon Turteltaub. Una taquillera del metro de Chicago se enamora infantilmente de un cliente que ve a diario. Un día éste es empujado por unos ladrones a las vías y ella salta para evitar que lo atropelle. El joven queda en coma y ella lo acompaña al hospital donde, por un malentendido, creen que es su prometida y así se lo dicen a la familia del chico. Enseguida la acogen como uno más y ella no encuentra la manera de decirles la verdad, lo que se complica cuando empieza a enamorarse del hermano mayor.

Turteltaub consiguió hacer una comedia romántica muy entretenida, simpática y hasta encantadora usando la fórmula tradicional del malentendido y posterior enredo. Por ello, no es especialmente original y su desarrollo y/o desenlace son predecibles, pero lo cuenta de una manera muy agradable. El guión de Sullivan y Lebow está lleno de situaciones cómicas, diálogos ingeniosos y enredos simpáticos. Tiene el acierto de contar con un reparto que encaja bien en sus papeles y muestran mucha química: Sandra Bullock, Bill Pullman, Jack Warden, Peter Gallagher, Peter Boyle... Y la última faceta a destacar, además de la dirección de Turteltaub, es la estupenda banda sonora de Randy Edelman, muy bonita y que hace que algunas escenas eleven su potencial cómico y romántico.

Muy entretenida, romántica y con gracia.

El caso Bourne

Espectacular cinta de acción de 2002 dirigida por Doug Liman. Un chico es rescatado del mar con dos disparos en la espalda y una misteriosa cápsula en su cintura. No recuerda nada, no sabe quién es, aunque sí mantiene unas habilidades que le sorprenden a él mismo. Decide seguir la pista de la cápsula para descubrir su propia identidad, pero las dificultades aparecen enseguida.

Bourne cambió el estilo de las películas de espionaje, pues hasta el propio Bond intentó adquirir algunas de las recetas de su éxito aunque sin renunciar a las facetas más clásicas de 007. Para empezar, el guión de Gilroy y Blake Herron no sólo es un hilo conductor de escenas de acción, sino que hay una trama inteligente y poco predecible que atrapa al espectador desde el inicio. Se desprende de muchos de los tópicos de este género (no hay malo malísimo, ni chica despampanante que cae a los pies del agente, el espía sí se "despeina", es un humano normal que no tiene instrumentos geniales, etc), hace un buen desarrollo de la historia y contiene unos diálogos con ingenio. La dirección de Liman es clave para dar una perpectiva nueva al género, mucho más realista, más física y menos tecnológica, dando un carácter más humano al protagonista y con unas escenas de acción memorables. Tiene la escena de persecución en coche más espectacular desde Bullit, y la coreografía de las peleas es excepcional y transmite mucha credibilidad. Las localizaciones son fantásticas, al igual que la banda sonora de John Powell. Cuenta con un reparto soberbio, desde el joven protagonista, un espléndido Matt Damon, hasta los secundarios de lujo como Chris Cooper, Brian Cox y Clive Owen.

Fantástica película de espías y acción.

El cuervo

Película de 1963 dirigida por Roger Corman. Un conocido mago, Craven, recibe la visita de un cuervo parlanchín que resulta ser otro mago al que han convertido en pájaro. Le explica que quien lo ha hecho es el malvado Scarabus, antiguo enemigo del padre de Craven, y le dice que tiene retenida al espíritu de la esposa de éste. Así que deciden ir al castillo del cruel hechicero para liberarla y vengarse de sus acciones.

Se trata de una de las varias obras de Edgar Allan Poe que Corman llevó a la gran pantalla. Es una parodia del cine de terror contando con tres actores de leyenda de este género: Boris Karloff, Peter Lorre y Vincent Price. Ha envejecido muy mal, no sólo por los "inocentes" efectos especiales (imagino que espectaculares para la época) sino por el estilo de humor. No produce ningún tipo de horror y en contadas ocasiones hace sonreír, quedándose tan sólo como curiosidad y buena muestra de cine B que tantos seguidores tiene. Podemos ver a un joven Jack Nicholson en un pequeño papel, siendo su tercera colaboración con este director.

Peculiar parodia no muy recomendable.

Harry Potter y las reliquias de la muerte parte II

Cierre de la historia del niño mago de 2011 dirigida por David Yates. Potter y sus amigos siguen con la búsqueda y eliminación de horrocruxes para debilitar a Voldemort. Éste y sus seguidores llegan a Hogwarts para la batalla final. El joven mago hará algunos sorprendentes descubrimientos que le forzarán a tomar alguna decisión terrible.

Espectacular broche final para la saga de aventuras del joven mago. Es mucho más trepidante que la primera parte, vigorosa y entretenida, aunque no sólo está llena de acción sino que tiene los momentos necesarios para la reflexión, el drama y el cierre de todos los aspectos abiertos durante tantas aventuras. El guión de Steve Kloves guarda un correcto equilibrio entre la acción y el desarrollo final de la historia. Todo el apartado visual está muy cuidado con una gran dirección artística, efectos especiales, fotografía, etc. El reparto, y como ha venido ocurriendo en las anteriores entregas, está repleto de grandes actores y los chicos protagonistas: Ralph Fiennes, Alan Rickman, Maggie Smith, Helena Bonham Carter, Julie Walters, Gary Oldman, etc. Hace las delicias de los seguidores de esta historia mágica mientras que debe ser poco comprensible para los demás.

Emocionante final de la saga.

Betty Anne Waters

Película de 2010 dirigida por Tony Goldwyn. Un joven es llevado a juicio y condenado a pena perpetua por un crimen que dice no haber cometido. Su hermana está plenamente convencida de su inocencia y, tras intentarlo todo sin éxito debido en gran medida a la falta de recursos, decide estudiar Derecho para ser ella quien reabra el caso y demuestre la verdad.

Goldwyn decidió llevar a la gran pantalla una historia real reciente de gran fuerza y que sirve de ejemplo de las grandes injusticias del sistema judicial. La trama es muy interesante y sorprende la convicción y determinación de esta mujer que luchó durante casi dos décadas para demostrar la inocencia de su hermano. Lo mejor con diferencia es el reparto y sus interpretaciones, empezando por la siempre eficaz Hilary Swank, un buen Sam Rockwell, Minnie Driver, Juliette Lewis, etc. Todos están muy convincentes y con trabajos serios. Por contra, lo peor es la dirección de Goldwyn, ya que no llega a encontrar el pulso debido durante toda la cinta. El espectador enseguida es captado por el argumento, pero sufre el riesgo de desconectar ante la falta de tensión de la trama. Falla en la forma de contar el caso y se excede algo en la busca del dramatismo de la relación materno-filial. El resultado es una sensación de superficialidad y de falta de una atmósfera que muestre mejor el calvario sufrido por ambos personajes. El guión de Pamela Gray tampoco colabora a que el desarrollo y estilo narrativo elegido para contarnos la historia sea el mejor.

Interesante historia, buenas interpretaciones pero algo floja en conjunto.

Misery

Película de 1990 dirigida por Rob Reiner. Un famoso escritor de novelas románticas acaba su última obra en su refugio habitual para ello, una cabaña en las montañas de Colorado. Cuando se dirige de vuelta a Nueva York para entregarla a su editor y debido a una fuerte nevada, sufre un accidente y queda atrapado. Una señora que lo presencia lo rescata y lo lleva a su casa para auxiliarle. Cuando recobra el sentido se siente afortunado por los cuidados que recibe de quien dice ser su fan número uno. Pero pronto empieza a percibir que está gravemente desiquilibrada y se siente prisionero de ella.

Se trata de una de las mejores y más conocidas adaptaciones de las novelas de Stephen King. Realizada de una manera sobria y espartana, Reiner dirigió con gran acierto esta historia. El guión de William Goldman recoge bien el terror psicológico de la obra y el perturbado perfil de la protagonista, pero son las interpretaciones y la dirección los que destacan sobre todos los aspectos. Todos los actores realizan un espléndido trabajo, empezando por James Caan y Richard Farnsworth hasta la colaboración de Lauren Bacall. Pero es Kathy Bates la que lleva el peso de la trama, la que hace estremecer al espectador y que su personaje pertenezca a la Historia del cine. Interpreta de una manera creíble a esta Dr. Jekyll y Mr. Hyde, creando uno de los personajes más temibles que se recuerdan. Reiner refuerza ese terror que crea Bates con una austera realización, prescindiendo de cualquier detalle que no aporte nada y puede robar la más mínima atención del espectador. Además, desarrolla otros personajes interesantes como el propio escritor y el sheriff (y su peculiar ayudante), sin restarle nada de fuerza o protagonismo a la psicópata.

De las mejores películas de terror.

La importancia de llamarse Ernesto

Comedia de 1952 dirigida por Anthony Asquith. Dos amigos se confiesan tener un familiar o amigo imaginario que les sirve de excusa para ir o salir de la ciudad, según cada caso. Lamentablemente, se enamoran de sendas chicas que le dan mucha importancia al nombre, coincidiendo que a quien conocen es al imaginario en vez del verdadero, y confiesan que jamás se casarían con hombres que tuvieran sus nombres reales.

Adaptación de la conocida novela homónima de Oscar Wilde. La trama es ingeniosa y da lugar a muchas situaciones cómicas, aunque el guión del propio Asquith no recoge la chispa de la obra. Parece adaptarlo para el teatro, tanto por el guión como la puesta en escena e interpretaciones, exagerando todo tipo de diálogos y situaciones sin añadir por ello más humor sino todo lo contrario, dotándolo de una superficialidad considerable. Esto hace que el espectador empiece a sentir muy pronto rechazo y pena porque se espera algo mejor. El ritmo es lento y artificial, salvándose sólo gracias a la calidad latente en la estupenda novela de Wilde. Otros aspectos como la dirección artística, vestuario, fotografía, banda sonora, etc. son de buena calidad. Aunque cuenta con un buen reparto, las interpretaciones adolecen de una falsedad ya comentada.

Fallida adaptación de una gran novela.

Martes trágico

Poco conocida película de 1954 dirigida por Hugo Fregonese. Dos condenados a muerte consiguen escapar justo antes de su ejecución gracias al plan que prepara uno de ellos, conocido como Napoleón, y que se lleva al otro porque conoce dónde está escondido un botín de 200.000 dólares. Pero la policía redobla sus esfuerzos por atraparlos y pronto estarán sobre su pista.

Fregonese fue director poco prolífico pero que pudo colaborar con varias de las mayores estrellas del firmamento de Hollywood. En esta ocasión cuenta con uno de los mejores gángsters que podemos ver en la pantalla, Edward G. Robinson, lo cual por sí solo es suficiente motivo para ver la cinta. Pero además la cinta tiene ritmo, una buena atmósfera, un interesante guión de Sydney Boehm, etc. Todo ello la hace un buen entretenimiento a la par que una buena muestra de cine negro, con mezcla de policíaca, drama y suspense. La pena es que no hay una edición digna para disfrutarla como merece. El equipo de secundarios cuenta, entre otros, con Peter Graves y Jean Parker.

Buen cine negro.

Enterrado

Claustrofóbica cinta de 2010 dirigida por Rodrigo Cortés. Un joven despierta dentro de un ataúd y descubre que ha sido secuestrado por ser un civil americano en Iraq y que piden un rescate por él. Sólo cuenta con un móvil para gestionar con el Gobierno el pago, pero no será nada sencillo conseguir que le saquen con vida.

Ingeniosa y hábil película de Cortés, que contando tan sólo con una caja como escenario consigue rodar una historia tensa y emocionante. El guión de Chris Sparling es sencillo pero bien trazado (salvo un detalle absurdo e innecesario que se saca de la manga a mitad de la trama), el trabajo de Ryan Reynolds muy convincente (prácticamente, es el único actor con presencia) pero es Cortés sobre todo quien demuestra su talento para que con tan pocos mimbres obtenga un producto entretenido y bien realizado. Lo mejor es la atmósfera que mantiene en todo momento y el realismo que muestra, salvo en alguna ocasión que se deja llevar por los convencionalismos. Los créditos iniciales son muy buenos, tanto en el diseño como por la banda sonora de Víctor Reyes (en ese momento y durante todo el metraje en general), recordando a algunos clásicos del suspense.

Interesante.

Marnie, la ladrona

Thriller psicológico de 1964 dirigida por el maestro Alfred Hitchcock. Una ladrona compulsiva es pillada por el dueño de la empresa donde trabaja quien, en vez de entregarla a la policía, decide intentar ayudarla descubriendo el trauma que la empuja a llevar esa vida.

Claramente, no es una de las obras maestras de este genio pero se trata de una buena cinta de suspense psicológico. El maestro profundiza en algunos de sus temas predilectos, como los traumas, el sexo, las mujeres, etc., de una manera más directa y hasta violenta (como hiciera de nuevo en Frenesí) volviendo a elegir a una atractiva rubia como protagonista. Aunque intentó convencer a Grace Kelly, ya convertida en princesa, finalmente contó (otra vez, tras Los pájaros) con Tippi Hendren. En el reparto destaca un sobrio Sean Connery y algún secundario como Diane Baker y Alan Napier. El guión de Presson Allen, adaptando la novela de Winston Graham, es la principal debilidad de la obra al no crear una trama más interesante y ser, en general, bastante predecible un su desarrollo. Afortunadamente Hitchcock le saca todo el partido posible con su maestría con la cámara: alternancia de planos cortos y hasta de detalle, picados, hábiles movimientos de cámara, mostrar dos acciones a la vez, etc. Todo ello y junto con una estupenda banda sonora de Bernard Herrmann y fotografía de Robert Burks, hacen que la cinta supere con buena nota el reto que planteaba partir con un guión más bien del montón.

Buena cinta de suspense psicológico.

La bribona

Comedia romántica de 1945 dirigida por el maestro Mitchell Leisen. Una joven ladrona es retratada por un conocido pintor como una dama anónima y su belleza llama la atención hasta de un importante duque. Un joven diplomático que quiere vengarse de éste, se encarga de la educación de la chica para hacerla pasar por una señorita de buena familia con la intención emparejarla con el duque para luego revelar su procedencia, pero las cosas no salen como planeaba.

Leisen demuestra una vez más su elegancia y estilo con una cuidada dirección artística y puesta en escena. Tiene una trama interesante e ingeniosa con un gran potencial cómico y romántico, pero lamentablemente el guión de Tunberg y Ware, adaptando la novela de Rosamond Marshall, no explota el filón. Tiene momentos bastante conseguidos, pero los alterna con otros mucho más planos y predecibles. Cuenta con una buena pareja protagonista, su actor fetiche Ray Milland acompañado en esta ocasión por Paulette Goddard, además de espléndidos secundarios como Constance Collier y Patrick Knowles. Leisen demuestra su habilidad para la parte estética y visual, pero no encuentra el ritmo ni chispa de otras ocasiones.

Interesante, con buenos momentos, pero sin acercarse al nivel de otras obras de este director.

Sherlock Holmes y la voz del terror

Película de 1942 dirigida por John Rawlins. El gabinete de defensa de Gran Bretaña le pide a Sherlock Holmes ayuda para acabar con "la voz del terror", una emisión radiofónica de los nazis que está atemorizando a los súbditos británicos con una eficaz guerra psicológica. En seguida se pone a investigar con la ayuda de su inseparable Watson para desmontar la red de espías alemanes que se encuentran en el país.

Se trata de la primera cinta de la saga que produjo la Universal, que no de las protagonizadas por Basil Rathbone y Nigel Bruce, pero que está todavía lejos de alcanzar el nivel que posteriormente mostrarían algunas de ellas. Está basado muy libremente en la obra de sir Arthur Conan Doyle His last bow, llevando la acción hasta el momento actual, la II Guerra mundial, y metiendo al mítico detective a resolver un caso de espionaje internacional en pleno conflicto armado. El caso despierta el interés enseguida a pesar de que choque un poco ver a Holmes a esas alturas de siglo, pero la parte real de la historia le da un añadido positivo. Lamentablemente parece que tenían prisa por resolver el misterio porque se producen avances en la investigación que el espectador no sigue bien, viendo cómo el conocido detective va saltando precipitadamente a sacar conclusiones sin base para ello. Tiene alguna componente propagandística patriótica que hay que entender por el momento en que se rueda la película, pero que hoy queda bastante absurda.

Fallida a pesar de tener un buen arranque.

Ejecutivo ejecutor

Thriller de 1990 dirigido por Jan Egleson. Un ejecutivo del departamento de marketing de una gran empresa no consigue su anhelado ascenso cuando jubilan a su superior, lo que se vuelve más negativo cuando sufre la presión de su mujer por ello. Por accidente mata a un vagabundo y, a pesar de sentirse mal al inicio, se da cuenta de lo sencillo que es, por lo que decide ir solucionando sus problemas a base de eliminar a quien le obstruya de alguna manera.

Única película de este director que contó en esta ocasión con una buena trama y un protagonista de lujo: Michael Caine. Pero el presupuesto era muy corto y su talento tampoco excesivo, lo que se nota en la falta de cuidado en la puesta en escena: los micrófonos salen constantemente de las tomas, el equipo técnico sale reflejado en varias escenas, la fotografía y la música son de pena, etc. Pero el estupendo trabajo de su protagonista que encarna espléndidamente la rabia, la picardía, la ironía, la frialdad, la rebeldía y sumisión del personaje, junto con un argumento entretenido son suficientes para verla. No hay más ni menos, sólo la pena de no haber contado con alguien con más experiencia y buen hacer al frente del proyecto.

Sólo pasable en general pero con un buen Michael Caine.

La Guerra de las Galaxias: Episodio VI

El retorno del Jedi fue la tercera entrega de la primera trilogía que el público disfrutó y la última de la historia que George Lucas llevó a la pantalla, dirigida en esta ocasión por Richard Marquand en 1983. Los amigos de Han Solo van al planeta donde creció Luke para rescatarlo de Jabba el Hutt. Paralelamente, el imperio está construyendo otra Estrella de la Muerte mientras que el emperador sigue empeñado en conseguir que el joven Skywalker se pase al lado oscuro de la fuerza.

Lucas cerró la trilogía con otra cinta llena de aventuras, planetas y seres mágicos. Mantiene la magia de la anteriores aunque con algo menos de inventiva, pero igualmente muy entretenida. Los efectos especiales siguen siendo espectaculares y conserva los demás aspectos que han hecho de esta historia una saga de culto.

Imprescindible cierre de la historia.

La Guerra de las Galaxias: Episodio V

Continuación de la saga, cuarta según la historia y segunda en ser rodada (El imperio contraataca), de 1980 dirigida por Irvin Kershner, aunque George Lucas controló todo el proyecto. Las tropas imperiales persisten en la búsqueda de la base de la resistencia a pesar de la exitosa destrucción de la Estrella de la muerte. Luke Skywalwer va en busca de Yoda para que le forme como caballero Jedi. Pero Darth Vader y el Emperador quieren dar caza a Luke porque sienten que se está convirtiendo en un poderoso enemigo.

Lucas continuó la historia con la misma o más imaginación que la primera entrega. Siguen las aventuras galácticas de caballeros, princesas, naves espaciales y demás que han encantado a varias generaciones. Se mantienen extraordinarios todos los aspectos que brillaron en la primera: la excelente banda sonora de John Williams (con el tema nuevo de la marcha imperial), los efectos especiales, la dirección artística, etc. El joven trío protagonista (Harrison Ford, Mark Hamill y Carrie Fisher) se mantiene igual de fresco y con gran química, aunque se echa de menos a sir Alec Guinness, pues sólo aparece en alguna pequeña toma. Muy entretenida y fantástica.

Imprescindible.

La Guerra de las Galaxias: Episodio IV

Mítica y exitosa primera película que el público disfrutó de la saga Star Wars, de 1977 dirigida por George Lucas. El imperio galáctico ha terminado la construcción de una poderosa estación galáctica con poder para destruir un planeta entero y busca el cuartel general de la resistencia para aplastarla. Detienen a la princesa Leia tras apoderarse ésta de los planos de la nave, pero previamente los ha mandado con un robot al planeta donde se encuentra el antiguo caballero Jedi Obi-Wan Kenobi, el único con poder suficiente para ayudar a la resistencia.

Con tan sólo 33 años George Lucas acabó este proyecto por el que luchó a capa y espada con los estudios para hacerla. Es el responsable de este mundo de héroes, espadachines, conquistadores de planetas, naves espaciales,... que ha conquistado al público de varias generaciones. Además, tuvo la visión comercial de algo que no existía hasta la fecha: el merchandising. Negoció con los productores quedarse con los derechos de explotar la historia y los personajes con juegos, coleccionables, camisetas, etc., y se lo dieron porque pensaban que no tenía valor alguno. Fue tal el éxito económico de este apartado que pudo financiar él solo las secuelas. La película encandiló y lo sigue haciendo por toda la magia, fantasía y aventuras que contiene. No ha envejecido nada a pesar de la revolución tecnológica que se ha vivido, lo que demuestra lo bien hecha que estaba y la imaginación que pusieron al crearla. Lucas la dirigió, escribió, fue el productor ejecutivo y participó en el montaje. Sobresale en muchos aspectos: la mítica banda sonora de John Williams, los efectos especiales, la dirección artística, el vestuario, etc. Una pieza clave fue el grupo de actores, contando con una hábil mezcla de desconocidos y reputadas estrellas: Alec Guinness, Peter Cushing, Harrison Ford, Carrie Fisher, Mark Hamill, etc.

Imprescindible.

127 Horas

Película de 2010 dirigida por Danny Boyle. Nos cuenta el episodio real sufrido por Aron Ralston en 2003 cuando se vio obligado a cortarse su propio brazo tras estar atrapado más de 5 días por una roca. Se encontraba haciendo montañismo en un parque de cañones en Utah cuando cayó por una estrecha grieta y una gran roca le atrapó la mano contra la pared.

Escalofriante relato real del que se pueden extraer varias moralejas (comunica siempre donde vas, lleva el equipo adecuado...), pero sobre todo nos transmite que nunca hay que rendirse. Como el propio joven luego tituló sus conferencias cuando todos le llamaban héroe: cómo no perdí un brazo sino que gané una vida. Boyle lo lleva con frescura a la gran pantalla, con espectacular realismo (impactante y durísima la escena donde se corta el miembro) pero evitando la situación claustrofóbica al mostrarnos la imaginación/paranoia del protagonista. Esto puede hacer que sea algo más llevadera y entretenida, pero hace que pierda la intensidad del momento. Destaca la creíble interpretación de James Franco, muy natural y evitando aspavientos o exageraciones. Las localizaciones y la fotografía de Mantle y Chediak son magníficas, teniendo planos realmente bellos. La música contiene algunas piezas que no encajan con la acción y realmente distraen al espectador. Boyle consigue una cinta espectacular, sobrecogedora e intensa, a pesar de suavizar la situación en algunas secuencias pero mostrando toda la crudeza en otras.

Espeluznante historia real bien rodada.

Imsomnio

Thriller de 2002 dirigido por Christopher Nolan. Un prestigioso detective de la policía de Los Ángeles va con su compañero a una ciudad de Alaska para colaborar en la investigación de un peculiar caso de asesinato. Personalmente le sirve para alejarse de una investigación de Asuntos internos que les afecta a ambos y por el que su compañero está decidido a pactar, lo cual le deja en una mala posición.

Tras la sorprendente y estupenda Memento, Nolan rodó este thriller psicológico donde destacan la puesta en escena, el guión y las interpretaciones. Aunque no llegue al nivel ni originalidad de la anterior, el director vuelve a demostrar su enorme talento para hacer cine comercial de calidad. Es un remake de una cinta Noruega en la que el guionista Hillary Seitz ahonda más en la relación asesino-policía y en los tormentos del investigador. Está muy bien rodada, con unas localizaciones inmejorables y una gran fotografía de Wally Pfister. La historia está bien desarrollada y hace que vayan encajando las piezas, consiguiendo Nolan una atmósfera tensa e inquietante en todo momento. Para ello se apoya en unas excelentes interpretaciones de Al Pacino, Robin Williams y Hilary Swank, siendo el primero el principal pilar de la cinta y dando un motivo adicional para verla.

Estupendo thriller policíaco.

Tiburón

Clásico de1975 dirigida por Steven Spielberg. En una pequeña isla típica de veraneo, justo en el comienzo de la temporada aparece en la orilla unos restos humanos que pudieran deberse a un ataque de tiburón. Aunque al principio dudan de la causa de la muerte, especialmente porque admitir la presencia de este depredador en la costa podría arruinar la temporada para los comerciantes locales, una multitud de bañistas son testigos de un segundo ataque. Aunque se ofrece una importante suma para quien lo mate, es el jefe de la policía, un investigador oceanográfico y un viejo lobo de mar quienes inician una expedición seria para acabar con el tiburón.

Se trata del primer gran taquillazo del Rey Midas del cine, una película que cambió la forma en que los estudios lanzaban sus estrenos pasando de procesos escalonados a mostrarla desde el primer día por todo USA y en numerosas salas. Para Spielberg fue un proyecto complicado técnicamente, con modificaciones del guión hasta el último momento y con una selección de reparto nada sencilla. Finalmente la duración del rodaje triplicó lo estimado inicialmente, además de superar ampliamente su presupuesto. Precisamente los problemas técnicos con los 3 tiburones mecánicos usados hicieron que se rodara poco al depredador y se utilizaran sugerencias como los barriles, su aleta o colocar la cámara desde su punto de vista, lo cual eleva el suspense creado enormemente. Al igual que Hitchcock hizo que temiéramos el momento de la ducha, Spielberg nos indujo el temor a bañarnos en el mar. La atmósfera que crea durante toda la película es excelente, jugando con la tensión que va generando en el espectador. Otro aspecto mítico de esta cinta es la extraordinaria banda sonora de John Williams, que con tan sólo 2 notas consigue transmitir más suspense que con ninguna otra música hasta la fecha. Está considerada como una de las mejores de la Historia del cine. El reparto está muy bien, encabezado por Robert Shaw, Richard Dreyfuss y Roy Scheider.

Imprescindible.

Esplendor en la hierba

Película de 1961 dirigida por Elia Kazan. Una pareja de último curso en el instituto en una pequeña ciudad de Kansas están muy enamorados y quieren casarse. Sus familias tienen situaciones económicas muy distintas y él recibe la presión familiar de ir a Yale para obtener su título universitario antes de dar semejante paso.

Kazan nos presenta este drama romántico sobre la represión sexual, la importancia de las apariencias en la época y el lugar, la depresión personal y los corazones rotos. Sobre todo transmite el mensaje del poema de William Wordsworth de donde extrae el título, la belleza pasajera de la juventud pero que permanece dentro de nosotros para siempre. El guión de William Inge está basado su experiencia personal cuando crecía en Kansas en los años 20. Dibuja varios personajes muy interesantes retratando los extremos clásicos de la sociedad: el rico y el humilde, la reprimida y la alocada, etc. Lanzó las carreras de sus protagonistas, una estupenda Natalie Wood que venía de papeles secundarios (tan importante fue para ella que llamó a su barco Splendor, el que utilizaba cuando murió ahogada) y un novato Warren Beatty que hacía un buen debut. También sobresale Pat Hingle como el dominante padre del chico. También destacan la bella fotografía de Boris Kaufman y la banda sonora de David Amram.

Espléndida película.

Willow

Película de aventuras en un mundo mágico de 1988 dirigida por Ron Howard y producida (y creado el argumento) por Georde Lucas. En el reino de una malvada bruja nace una niña con una marca en el brazo que señala que es la elegida para destronarla según las profecías, por lo que la reina manda capturarla para hacer un encantamiento. Pero la matrona consigue salvarla poniéndola en un canasto en el río, lo que la lleva a otro poblado donde es rescatada por un gentil y buen enano. El pueblo de éste decide que deben llevar a la niña hasta el reino de los de su raza, lo cual no será fácil porque están en guerra y hay caballeros buscándola para llevarla ante la bruja.

Howard rodó una historia llena de aventuras y fantasía, como de si un cuento se tratara, que nos recuerda a una mezcla entre Moisés y El señor de los anillos. Por lo tanto, no se trata de un argumento especialmente original, pero la clave está en la magia de ese mundo de brujas, caballeros mediavales y diferentes tipos de seres que consigue recrear. Es muy entretenida y bien hecha (buenos efectos visuales y sonoros para la época), con bellas localizaciones y una extraordinaria banda sonora de James Horner. El reparto lo encabeza Val Kilmer, que sale airoso del reto, y Warwick Davis, que se gana la simpatía del espectador desde el primer momento, acompañados por Jean Marsh, Kevin Pollack...

Entretenido cine de aventuras familiar.

Watchmen

Película de 2009 dirigida por Zack Snyder. Estamos en plena Guerra Fría, a punto de estallar una guerra nuclear, y los watchmen, antiguos superhéroes que luego fueron apartados de la ley, tratan de evitar tan terrible suceso. Uno de ellos aparece asesinado, lo que le hace pensar al enmascarado que hay un complot para eliminarlos. Empieza a investigar y pide ayuda al resto de héroes, pero inicialmente no parecen creer esta conspiración contra ellos.

Snyder comenzó este proyecto tras la exitosa 300. Al igual que ella, Watchmen es visualmente espectacular, con un puesta en escena muy cuidada y trabajada. Tiene episodios muy atractivos para el espectador, pero hay otros en que se apodera de la cinta la cursilería y un intento de hacer un tratado filosófico-metafísico que rompe el ritmo y la fluidez de la aventura. Trata a los personajes con más profundidad de lo habitual en este tipo de películas (saga de Batman de Nolan aparte) añandiéndole más credibilidad y haciéndola más interesante, pero no consigue hilar adecuadamente los diferentes retratos y equivoca el foco de algunos (lo que también hace que sea excesivamente larga). La trama es buena y con un enlace poco esperado, la banda sonora contiene alguna piezas extraordinarias, el vestuario y decoración son impecables, algunos intérpretes hacen una trabajo espléndido (como Jackie Earle Haley, el enmascarado), soberbios efectos visuales y de sonido, etc. Snyder deja poco a la imaginación del espectador, incluyendo escenas violentas y sexuales, lo que la hacen poco aconsejable para el público infantil.

Visualmente espectacular pero con lagunas de narración y contenido.

Drácula

Película de 1958 dirigida por Terence Fisher. Un joven llega hasta el castillo del Conde Drácula para trabajar como bibliotecario, aunque la verdadera razón es intentar acabar con el vampiro. Pero fracasa en sus planes y cuando llega su amigo el doctor Van Helsing lo encuentra muerto. Cuando regresa a su casa para transmitir la noticia a sus familiares, descubre que su prometida está siendo víctima de los ataques de Drácula, por lo que decide quedarse para matarlo.

Exitosa y clásica versión de la novela de Bram Stoker, a todo color y mostrando la cara más terrible del vampiro, sin romanticismos ni otras florituras. Fisher nos trae una de las versiones más salvajes y terroríficas de este mito, con una excelente puesta en escena y un altísimo ritmo, concentrando toda la acción en menos de hora y media. Lo mejor es el duelo interpretativo de los dos protagonistas, dos extraordinarios actores: Christopher Lee y Peter Cushing. Están fantásticos en sus respectivos roles, destacando aún más el primero con su caracterización del vampiro. Otro aspecto sobresaliente es la fotografía Jack Asher, con colores muy vivos y hasta saturados y muy expresivos. El aspecto más débil es el guión de Jimmy Sangster pues no llega a profundizar más allá de la superficie de los hechos y podía haber conseguido más tensión en algunos momentos, pareciendo apresurarse a veces en la acción.

Clásica y de las mejores adaptaciones de Drácula.

La Guerra de las Galaxias: Episodio III

Tercera entrega la saga dirigida por George Lucas en 2005. Nos cuenta el desenlace de estas nuevas entregas para llegar al punto de inicio de la clásica trilogía: el porqué y el cómo de la desaparición de los Jedi, el paso al lado oscuro de Anakin y nacimiento de Darth Vader, fin de la República y comienzo del Imperio, nacimiento de Luke y Leia, etc.

La mejor de la nueva trilogía y más similar a la clásica, Lucas se preocupa menos de exhibir los efectos especiales que puede utilizar en el siglo XXI y se centra más en la historia. También es el autor del guión, el mejor sin duda de los tres últimos, con una vuelta a la historia de intriga, traición, del Bien y el Mal, que cautivó hace más de tres décadas. Hace encajar la piezas del puzzle de una manera que satisface, pues todos los amantes de la saga nos preguntábamos cómo un Jedi pudo pasarse al lado oscuro. Siguen apareciendo personajes claves de toda la serie, como Chewbacca, y dándole más minutos a otros como C3PO y R2D2. Como debía ser, es más siniestra que las antecesoras y genera la tensión adecuada para poner al espectador en situación para cuando llegue el clímax.

Digno enlace entre las dos trilogías.

La Guerra de las Galaxias: Episodio II

Segunda entrega de la saga dirigida por George Lucas en 2002. Han transcurrido 10 años y el pequeño Anakin es ya un joven aprendiz de Jedi y la reina Amidala es senadora. La República está en crisis debido a un movimiento separatista y la senadora es objeto de atentados, por lo que se le pide a Obi-Wan y Anakin que la protejan. En la investigación Obi-Wan descubre que alguien haciéndose pasar por un Jedi encargó un ejército de decenas de miles de clones que ahora están listos para entrar en guerra. Por su lado, los separatistas también tienen otro ejército de robots que pretenden usar contra la República. Con la amenza separatista, el Canciller consigue que el senado le dé cada vez más poderes y mantiene su acercamiento a Anakin.

Espectacular segunda entrega de la saga manteniendo la imaginación de toda la historia. Empieza a contarnos uno de los asuntos más interesantes para los aficionados a la misma: cómo Anakin va acercándose al lado oscuro. Lucas vuelve a hacer un pequeño homenaje a las legendarias cintas de romanos, pues si en la anterior nos recordaba a Ben Hur y su carrera de cuádrigas, en ésta tenemos una escena similar a la de Quo Vadis en el coliseo con el sacrificio de los dos protagonistas y el guardaespaldas de Deborah Kerr. Es muy entretenida, vibrante en todo momento, aunque los incondicionales de la clásica trilogía no lleguen a encontrar la misma magia. Es más seria y siniestra que la primera, comenzando la escalada que debe haber en la tragedia que supondrá que un Jedi se convierta al lado oscuro. Vuelven a destacar los efectos especiales, el grupo de actores (con la incorporación del excelente Christopher Lee, al que vale la pena escuchar en versión original, y un mejor trabajo de un ya maduro Ewan Mc Gregor) y la mítica música de John Williams que añade nuevos temas de bella factura.

Muy entretenida y espectacular.

La Guerra de las Galaxias: Episodio I

Primer episodio de la mítica saga La Guerra de las Galaxias aunque se estrenó 22 años después de la primera entrega al público. Se estrenó en 1999 y la dirigió el propio George Lucas. Nos cuenta el encuentro de los Jedi con Anakin Skywalker, la última aventura de Obi-Wan como aprediz de Jedi, los comienzos del futuro Emperador, etc.

Lucas retomó la saga para rodar la primera trilogía poniéndose él mismo tras las cámaras. Técnicamente está muy bien hecha, está llena de aventuras y acción, pero no tiene la misma magia y encanto (entre otras cosas porque están ya mitificadas) que las "originales". Lucas tiene el ingenio comercial de "infantilizar" algo la película, especialmente con el personaje creado por ordenador Jar Jar, para sumar muchos más seguidores a su saga. Cuenta con estupendos actores como Liam Neeson (espectacular como Jedi), Ewan Mc Gregor, Natalie Portman, Samuel L. Jackson, Terence Stamp,... Es muy entretenida, está llena de fantasía que se materializa con los geniales efectos especiales, con la inolvidable banda sonora de John Williams, y con muchos personajes que volverán a aparecer en la historia.

Espléndido entretenimiento.

Vuelo de águilas

Película de 1941 dirigida por el maestro Mitchell Leisen. Tres hombres se alistan en la academia de pilotos del ejército para conseguir "las alas" que les distinguen como miembros de las fuerzas armadas. Sus procedencias son muy distintas pero las dificultades que afrontan conseguirán forjar entre ellos una buena amistad.

Leisen se incorporó al proyecto después que los productores despieran al director seleccionado tras varios días de rodaje. Contaban con el apoyo del ejército americano que facilitó el uso de más de 1.000 aviones y la colaboración de oficiales, instructores de vuelo, cadetes, etc. Leisen dejó su sello de elegancia y calidad, cuidó mucho la estética pero no consiguió imprimir un ritmo adecuado para la historia (o no le dejaron), incluso le sobran bastantes minutos si hubiera tratado el argumento con más brío. Las escenas en el aire están muy bien hechas y tienen una gran belleza en todo momento. Cuenta con actores jóvenes que se convertirían en grandes estrellas, como William Holden, Veronica Lake y Ray Milland (el actor "fetiche" de Leisen). Holden está jovencísimo, Lake tuvo aquí su primer papel importante y Milland trabajaba por cuarta vez con el genial director (y que aún repetiría en varias ocasiones). La fotografía de Leo Tover es excelente, superando la dificultad de escenas nocturnas y aéreas. El resultado es un estupendo homenaje a las fuerzas aéreas muy bien hecho pero que le falta tensión y le sobran minutos.

Bien realizada pero le falta intensidad.

500 días juntos

Comedia romántica de 2009 dirigida por Marc Webb. Nos cuenta los 500 días de relación entre dos jóvenes desde que se conocen hasta que rompen e inician, o intentan hacerlo, sus vidas por separado.

Webb sorprendió con esta historia por la forma de contarla, pues nos enseña el final y el principio al inicio de la película y luego nos va mostrando desde esos dos puntos cómo evolucionó la relación. También tiene un narrador que nos introduce a los personajes y nos cuenta algo sobre ellos, un poco al estilo de la excelente Amelie. Por lo demás, es una comedia romántica como tantas otras con momentos graciosos pero con bajones importantes, lo que la hace bastante irregular. Tiene cierta originalidad pero no el ingenio y encanto de otras de su género.

Pasable y con alguna buena escena.

Asesinato a bordo

Película de 1964 dirigida por George Pollock. La señorita Marple es nombrada miembro del patronato de una fundación tras la repentina muerte de uno de los patronos. Ella sospecha que su muerte no es natural y que tiene que ver con algún descubrimiento que éste hizo en un buque escuela de la fundación, por lo que decide ir a investigar. Una vez allí se producen otras muertes que complican aún más la situación.

Cuarta y última entrega de las adaptaciones de las novelas de Agatha Christie dirigidas por Pollock y protagonizadas por Margaret Rutherford. Como en las anteriores, es una adaptación un poco libre donde prima el punto de vista cómico más que de suspense. De esa manera se aprovecha el lado cómico de la protagonista y del personaje de Marple, aunque se pierde algo de intensidad y credibilidad en la trama. Es entretenida y con momentos graciosos, aunque se exageran demasiado los poderes de deducción y cualidades de la entrañable abuelita. La música de Ron Goodwin vuelve a desentonar con la película y estaría más acorde con otro tipo de aventuras.

Simpática y entretenida.

El escritor

Magnífico thriller de 2010 dirigido por Roman Polanski. El exprimer ministro Británico, envuelto en la polémica de haber metido al país en intervenciones militares con pruebas falsas, está preparando sus memorias con la ayuda de un escritor. Pero éste aparece ahogado en la costa, por lo que contrata a otro gracias a una suculenta oferta económica, pues era reacio al trabajo. Le dan muy poco tiempo y debe hacerlo en la casa donde reside el político, entre grandes medidas de seguridad y protestas ciudadanas. Tras su llegada al fortín conocen que un ministro suyo le acusa de torturas a prisioneros y entregas ilegales a la CIA, lo que hace que el Tribunal Internacional de la Haya le acuse de crímenes de guerra.

Polanski sorprende con esta cinta gracias a la intriga y tensión que consigue. Rueda de una manera muy sobria y austera, elimina de la pantalla todo lo superfluo y utiliza decorados minimalistas que resalten la soledad del protagonista, creciendo con ello la tensión en el espectador. El ritmo que imprime no es alto, deja que todo vaya fluyendo con precisión manejando sabiamente el tiempo. Es también coautor del estupendo guión con Robert Harris, adaptando la novela de éste. Demuestra que se puede hacer un thriller de una manera muy "artesanal", sin necesidad de grandes medios ni efectos especiales, sólo un buen guión, un puñado de buenos actores y mucho talento tras la cámara. La mayor parte de la interpretación recae sobre el protagonista, un eficaz Ewan McGregor, acompañado muy bien por actores como el espléndido Tom Wilkinson, Pierce Brosnan, Olivia Williams, Timothy Hutton, Eli Wallach, etc.

Interesante, entretenida y de calidad.