Lady Halcon

Película de 1985 dirigida por Richard Donner, de gran éxito en la época. En la Edad Media el malvado pero poderoso obispo de Aquila hecha una maldición a una pareja de enamorados por haberse encaprichado también de la chica. Los condena a estar siempre juntos pero eternamente separados. Tras dos años lejos de la zona, el caballero vuelve para vengarse y busca la cooperación de un ladronzuelo que acaba de escapar de la ciudad.

Se trata de una de esas cintas que no soporta bien el paso del tiempo, además de habernos hecho mayores los adolescentes que la catapultamos al éxito. Es una bonita historia romántica de brujería, castillos, monjes, luchas de espadas y flechas, etc., por lo que tiene suficientes ingredientes para despertar el interés del espectador. Pero debió realizarse pensando en un público infantil/adolescente, o al menos es lo que parece al ver el resultado final, además de estar influenciada por las tendencias de la época. Nada en ella se trata con suficiente profundidad y hasta las peleas parecen caricaturas. El guión también es bastante superficial, siendo un claro ejemplo el raterillo protagonista. La banda sonora de Andrew Powell (participando Alan Parsons) es bastante buena, pero no es en absoluto apropiada para esta historia (la música electrónica no "pega" para nada con una trama medieval). La pareja protagonista sí fue acertada, con un Rutger Hauer fuera de sus papeles malignos habituales y una Michelle Pfeiffer que se consagró tras haber rodado El precio del poder de Brian de Palma. Como curiosidad, podemos ver en un pequeño papel a Alfred Molina.

Dirigida a un público adolescente o mayores no muy exigentes para entretenerse un rato.

Los falsificadores

Película de 2007 dirigida por Stefan Ruzowitzky que relata unos hechos reales ocurridos durante la II Guerra Mundial. Los nazis emprenden una misión muy astuta: falsificar millones de libras esterlinas para financiarse la guerra e inundar el mundo de esta moneda para así hundir la economía británica. Para ello reunen en un campo de concentración a un grupo de judíos especialistas en determinados campos liderados por un conocido e histórico falsificador de moneda.

La historia que nos cuenta es real y muy interesante, enmarcado en unos acontecimientos especialmente duros (la Guerra y, más concretamente, los campos de concentración). El director aborda la historia desde una perspectiva "templada", es decir, que recoge las barbaridades y comportamientos inhumanos que recibían los judíos, pero no se ceba con estos dramas. Así que somos testigos de atrocidades pero sin desviarnos de la trama. Como garantía de la veracidad de lo narrado contó con el asesoramiento de un superviviente, Adolf Burger, quien comprobaba no sólo la historia sino también los detalles del proceso de copia de los billetes, decorados, etc. El propio Ruzowitzky escribió el guión inspirándose en el episodio narrado por Burger. La realización está bastante cuidada, con una buena ambientación, decorados, vestuario, etc. Tiene un buen protagonista principal, el austríaco Karl Marcovics, aunque con estupendas actuaciones de los secundarios.

Bien hecha y muy interesante historia real.

Mentira latente

Estupenda película de suspense del maestro Mitchell Leisen de 1950. Una mujer embarazada es abandona por su pareja tan sólo con un billete de tren de Nueva York a San Francisco. Aunque con dificultad de movimiento por su avanzado estado de gestación, conoce a una simpática pareja en el tren. Poco después, éste descarrila provocando un grave accidente.

El genial Leisen también abordó el thriller con esta película, también con tintes de cine negro. Tiene un gran guión de Sally Benson y Catherine Turney basado en la novela de Cornell Woolrich, con una trama muy interesante y desarrollado dosificando la intriga adecuadamente, aumentando paulatinamente la tensión hasta el espléndido desenlace. Hay un aspecto que creo que le quita parte del suspense y es la forma narrativa usada, en flash-back (otra vez Leisen la utiliza), pues adelanta parte de lo que va a ocurrir. Por otro lado, imagino que la intención era que el suspense se centrara en "quién" y no en "qué", lo cual es cierto, pero el resultado es que le resta parte del suspense que se crea. Una vez más, este director demuestra su elegancia al rodar y el cuidado que pone en sus realizaciones, al igual que destaca la dirección artística de la película. Vuelve a contar con Barbara Stanwyck (brillante en su interpretación de víctima pero decidida mujer) y con John Lund (también muy bien) para los papeles protagonistas, y con grandes trabajos de secundarios como Lyle Bettger, Jane Cowl y Phyllis Thaxter. Buena fotografía con grandes claroscuros de Daniel L. Fapp.

Interesante, entretenida y de calidad.

Grupo salvaje

Película del oeste de 1969 dirigida por Sam Peckinpah. Un grupo de atracadores que opera cerca de la frontera con México es perseguido impecablemente por unos mercenarios contratados por el ferrocarril. Huyen al país vecino donde encuentran a un ejército rebelde que les contrata para asaltar un tren americano con armamento.

Peculiar western con la firma inconfundible de Peckinpah. La trama se situa a primeros del siglo XX con unos bandidos protagonistas ya entrados en años y que retrata como perdedores aunque con innegables habilidades. Cada uno del grupo tiene sus rencores, sus temores, sus objetivos, pero todos comparten un determinado código de honor. El director, con su sello particular, se centra en las historias personales y muestra la historia con cierta violencia pero bastante expresa. Uno de sus puntales es el trabajado guión de él mismo y Walon Green, partiendo de una trama más o menos típica del oeste pero abordada de una manera diferente y perfilando unos personajes realmente interesantes. Lo mejor no es lo que hacen sino cómo lo hacen, cómo es cada uno de los protagonistas y la relación entre ellos. El otro puntal son las interpretaciones: magníficos todos los actores, pero destacando William Holden y Robert Ryan, aunque sin desmerecer a Ernest Borgnine, Warren Oates, Ben Johnson,... Peckinpah parece haber querido realizar con esta película una oda al ocaso (de un grupo de hombres, de una forma de vida, de un pueblo, etc).

Gran western.

El señor de la guerra

Película ambientada en la Edad Media dirigida por Franklin J. Shaffner en 1965. Un caballero con un pequeño grupo de soldados es mandado por su Duque a una torre en la costa de Normandía para tomarla y defenderla de los frisones. Allí se enamora de una campesina pagana, lo que le complicará aún más su misión.

Se trata de la adaptación a la gran pantalla de la obra de teatro The lovers de Leslie Stevens, con un pobre guión de John Collier y Millard Kaufman. Le falta naturalidad y, en ocasiones, hasta fluidez en su desarrollo, especialmente en la primera mitad. Una vez pasada la primera hora el ritmo sube con el asedio al castillo y la tensión entre los dos hermanos, pero manteniendo ese halo "falso" o artificial que es general en toda la cinta. A la historia de amor le falta más sentido y menos arrebatos, es decir, algo más de tiempo para transmitir y entender lo que se genera entre ambos. Entre las interpretaciones encontramos los extremos en un buen trabajo de Richard Boone y otro poco expresivo de Charlton Heston (hay escenas que parece de cera).

Trama interesante pero con una realización irregular y poco creíble.

Conociendo a Jane Austen

Película de Robin Swicord de 2007. Cuenta cuatro historias de amor/desamor de personas que están relacionadas por un club de lectura sobre las novelas de Jane Austen a lo largo del año que dedican a la tarea de debatir el significado de las mismas.

Basada en la novela de Karen Joy Fowler es todo un homenaje a la conocida escritora inglesa y sus famosas novelas. No se trata de adaptar ninguna de sus obras, sino de debatir un poco su significado a la vez que entrelazar varias historias con algún parecido a alguno de sus inmortales personajes. Algunos de estos episodios son "muy vistos" y otros aportan algo más de frescura, siendo el resultado algo agradable y entretenido, un drama romántico con algunos toques de comedia. El inicio del club es algo forzado y con no mucho sentido, luego la trama se hace más interesante para acabar de una manera bastante predecible y estereotipada. El grupo de actores cumple de sobra con su cometido, estando a un buen nivel en general.

Entretenido bloque de cuatro historias románticas (y hasta una quinta).

El Alamo

Primera película dirigida por el genial actor John Wayne en 1960 que narra la historia real del asedio que vivieron los rebeldes indepentistas texanos en 1836 en una misión en las afueras de San Antonio. Para los mexicanos fue poco más que otra batalla, pero el hecho supuso un revulsivo en la opinión de los ciudadanos americanos que se volcaron con la causa.

Wayne decidió ponerse tras la cámara para contar este episodio heroico, aunque considerado por otros como innecesario. Para ello contó con el guión de James Edward Grant, bien pensado y estructurado para contarnos esta gesta, aunque tiene diálogos tan recargados y rebuscados que lo que consiguen es quitarle realismo a las situaciones (incluso en una ocasión, en una escena "de amor" entre Wayne y una mujer, él llega a decir que parece estar hablando como un predicador a una muchedumbre). También alarga ciertas situaciones que lo único que consiguen es que la cinta tenga una duración excesiva (le sobra más de media hora) y que el ritmo sea algo irregular, a lo que también contribuye la propia dirección del Duque. Por contra, Wayne demuestra una gran habilidad en las secuencias de más acción, con escenas muy logradas. La fotografía de William H. Clothier es simplemente preciosa, al igual que la banda sonora de Dimitri Tiomkin. También cuenta con un gran reparto, encabezado por el mítico actor (y director en esta ocasión), Richard Widmark, Laurence Harvey, Richard Boone, Chill Wills, etc.

Gran película aunque con excesivo metraje.

2012

Película catastrafista de 2009 dirigida por Roland Emmerich. Un geólogo de la Casa Blanca descubre que el sol está calentando excesivamente el interior de la corteza terrestre, lo que podría hacer que las placas tectónicas se movieran drásticamente terminando con la vida en la superficie tal y como la conocemos. El gobierno pone en marcha un plan para salvar a la especie humana...

Se podría decir que Emmerich está teorizando sobre el fin del mundo, tras Independence Day, El día de mañana o 2012. En esta ocasión aprovecha la predicción de los mayas según la cual el mundo terminará el 21 de diciembre de 2012 para dar otra visión catastrofista sobre el fin de la humanidad. Partiendo de esta base interesante, el argumento está bastante bien pensado pero se desarrolla con (posiblemente) demasiados tópicos de este género. Visualmente es espectacular, con unos efectos especiales muy buenos y una realización cuidada. El ritmo es vibrante, con mucha acción, por lo que entretiene y hasta da poco descanso al espectador. Entre los actores hay cal y arena, pero no desentonan en general. Por supuesto que la línea argumental tiene lagunas y, en general, le falta ingenio, pero cumple perfectamente su cometido.

Cine palomitero 100%, agobiante para algunos, absurda para otros y entretenida para casi todos.

La taberna del irlandés

Comedia del maestro John Ford dirigida en 1963. Dos amigos retirados del ejército americano viven en una pequeña isla del Pacífico tras la II Guerra Mundial. Allí también vive un médico de su nacionalidad que hereda la naviera familiar de Boston. Su desconocida hija se dirige a la isla para intentar demostrar que su padre no es digno de esa herencia y así poder tener el control de la empresa.

Ford demostró ser un genio en obras del oeste y dramáticas, pero abordó otros géneros como la comedia. No tiene el calado ni calidad de sus obras maestras, pero se trata de una película simpática y agradable que hace pasar un buen rato. Es como si abordara la cinta para entretenerse él mismo y su actor habitual, el inigualable John Wayne. Está rodada con elegancia, con un bonito Technicolor que resalta la fotografía de William Clothier. Tiene algunos personajes bastante interesantes que se enfrentan por diferentes motivos, siendo el mejor duelo el del propio Wayne con el gobernador de la isla, el estupendo César Romero. También cuenta con la presencia de Lee Marvin, Jack Warden y Elizabeth Allen, todos ellos fantásticos aunque ensombrecidos por la presencia del "Duque".

Entretenida, con momentos divertidos.

Las crónicas de Narnia; La travesía del viajero del alba

Tercera entrega de Las Crónicas de Narnia dirigida por Michael Apted en 2010. Nuevamente los niños son llamados a Narnia, viajando esta vez sólo los dos más pequeños y su escéptico primo Eustace. Aparecen junto al barco del príncipe Caspian, quien les cuenta que el reino está en paz y él busca a los siete caballeros que fueron fieles y se adentraron en el océano a buscar ayuda.

Basada en la saga literaria creada por C.S. Lewis, en esta ocasión se trata de una aventura "de piratas caribeños". El ritmo es algo irregular en general, aunque va de menos a más (la primera parte es algo floja, lenta y sin llegar a despertar el interés). Más que infantil, la cinta está orientada para adolescentes y familias, ya que la trama no sencilla y algunas de las imágenes podría causar bastantes pesadillas a los más pequeños. Está bien realizada, con unos estupendos efectos especiales y unas espectaculares localizaciones en Nueva Zelanda. Es un cine de aventuras familiar para pasar el rato y dejarse llevar por la imaginación. Hay escenas que recuerdan a Harry Potter y hasta El señor de los anillos, y un aire global a los Piratas del Caribe. Imagino que les encantará a los aficionados a la saga.

Entretenida aunque con altibajos.

Aeropuerto

Película sobre una catástrofe aérea de 1970 dirigida por George Seaton. En el aeropuerto de Lincoln se complica la situación debido a la tormenta de nieve que sufren. Sin embargo, se siguen operando vuelos, como el de destino Roma que lleva un pasajero con lo que parece ser una bomba.

Película que inició no sólo la saga de catástrofes aéreas, sino el género, pues le siguieron Terremoto, El coloso en llamas... Sin duda que se trata de la mejor de las que tienen como protagonista un avión. La fórmula que luego fue seguida era tener un grupo de "antiguas" estrellas (digamos más correctamente estrellas con cierta edad), presentar varios personajes para conocer los futuros sufridores y finalmente mostrar el desastre. En esta ocasión dedica el 80% a las historias de los personajes y sólo el 20% a la acción por la catástrofe (que tampoco llega a ser tanto). Está bastante bien realizada, pero a los amantes del género les puede saber "a poco", y a los que no les atrae demasiado puede que la desechen por el tema. Gusta ver actores como Van Heflin, Burt Lancaster, Dean Martin, George Kennedy,... a los que el tiempo ha tratado de manera diferente.

Entretenida y correctamente realizada, aunque no despierta excesivo interés ni tiene mucha acción.

Solo ante el peligro

Obra maestra del género dirigida por Fred Zinnemann en 1952. Un sheriff deja su cargo al casarse y retirarse a una tienda, pero justo en el momento de la boda le comunican que en el tren de las 12 llega un asesino indultado que él mandó a prisión y que juró venganza. Aunque todos le animan a irse decide quedarse para, contando la ayuda de algunos vecinos, poder enfrentarse al criminal y a varios de los compinches que le esperan en la estación.

Se trata de una obra realizada con precisión, como si fuese uno de los elementos clave de la cinta: un reloj. Todo encaja a la perfección, todo está a un nivel extraordinario, dando como resultado a este título mítico. Es difícil destacar algo que sobresalga, pero citaré el soberbio guión de Carl Foreman, la bella banda sonora de Dimitri Tiomkin (con un gran tema principal), la preciosa fotografía de Floyd Crosby, las inolvidables interpretaciones de todos los actores, aunque brillando especialmente Gary Cooper, un montaje magnífico (más memorable conforme nos acercamos al final)... y todo bajo la maestra batuta de Zinnemman. Además de confeccionar una trama muy interesante, casi una fábula o leyenda, la muestra en tiempo real y mide "los tiempos" a la perfección. Crea una atmósfera de tensión pocas veces vista y a contrareloj: vemos a los de la banda esperando en el tren, luego a Cooper sufriendo por buscar ayuda (cada vez más desesperado, cada vez con más miedo y cada vez con menos tiempo), luego los vecinos, luego la esposa que no entiende lo que pasa, y luego repite el proceso mostrando contínuamente un reloj para que el espectador sufra viendo cómo se le agota el tiempo a este héroe. Absolutamente excepcional. También podemos disfrutar de espléndidos secundarios como Thomas Mitchell, Grace Kelly, lloyd Bridges, Lee Van Cleef,...

Imprescindible.

Qué ruina de función

Divertida comedia de 1992 dirigida por Peter Bogdanovich. El director de una obra teatral nos cuenta los avatares sufridos desde la noche del estreno de la obra hasta varios meses después en la gira por diferentes ciudades, dando como resultado una obra que no se parece demasiado a la original.

En esencia es una screwball, pues muestra los líos que se van produciendo entre los actores de la obra y que van interfiriendo en la misma. Para colmo, la propia obra de teatro es en sí una comedia de enredo, por lo que vemos eleva al cuadrado el lío original. Bogdanovich demuestra que es capaz de dirigir un caos absoluto y darle sentido y hacernos reir. La primera hora es para presentarnos los personajes (cada uno bastante peculiar) y ver cómo debería ser la representación. A partir de ahí empieza a complicarse la situación y es donde tenemos los mejores momentos. Lo mejor es el guión de Marty Kaplan basado en la obra de teatro de Michael Frayn, y el grupo de actores protagonistas: Michael Caine, Christopher Reeve, Carol Burnett, Denholm Elliot, John Ritter... Los espectadores poco amantes de los enredos posiblemente la dejen a medio camino, pues no soportarán las típicas situaciones de estas comedias.

Comedia de enredo con divertidas escenas.

Harry Potter y las reliquias de la muerte I

Séptima entrega de las aventuras del niño mago, dirigida por David Yates en 2010. Potter y sus amigos ya no piensan en Hogwarts, están en plena guerra con Voldemort y sus mortífagos. Para acabar con él deben encontrar los horrocruxes y destruirlos, lo que no es fácil porque Potter es el objetivo que busca el señor oscuro.

Siguiendo la progresión de la saga, ésta ya no es una historia para niños, sino un producto más para adolescentes. Se ha perdido "la magia" y el encanto que tenían las primeras entregas para convertirse más en una respuesta comercial a la demanda generada. No tiene tampoco el ritmo que debiera por estar sumidos en una guerra, o más bien en una búsqueda a vida o muerte. Salvo en un par de momentos, le falta mucho brío y continuidad. Creo que el punto más débil es el guión de Steve Kloves, que no ayuda para nada a la floja dirección de Yates. A los amantes de la saga les será suficiente avanzar en la trama de Potter y seguir disfrutando de sus aventuras, pero tiene unos altibajos enormes y demuestran que la duración es excesiva. El apartado técnico es realmente bueno, así como la interpretación de algunos de los actores.

Para incondicionales de Harry Potter.

En las rayas de la mano

Película menor del enorme Mitchell Leisen dirigida en 1947. Un oficial inglés encarcelado en la Alemania nazi antes del estallido de la guerra consigue escapar de sus captores e intenta espiar la fórmula de un nuevo gas venenoso. Enseguida se organiza una importante búsqueda para su captura y él se topa con una gitana en su huida que podría ayudarle en su objetivo.

Leisen es un maestro que tiene auténticas joyas en varios géneros, pero en esta ocasión no estuvo tan afortunado. Le falla en buena medida una trama que es un poco sosa y falta de gancho, que luego acaba en un guión sin brío y que no despierta el interés del espectador (esta vez no contó con genios como Wilder, Sturges o Brackett). Empieza bastante bien, pero en quince minutos cae en algunas lagunas (cosas absurdas) que destruyen completamente el interés despertado. Durante buena parte de la cinta la inverosimilitud reina en las aventuras del espía, y tampoco goza de buena química entre sus dos protagonistas. Éstos, Ray Milland y Marlene Dietrich no lo hacen mal, pero tienen uno papeles en los que no encajan de ninguna manera. No obstante, Leisen mantiene su elegancia al rodar y hay escenas que dan muestra de ello.

Poco interesante aunque con algunas pinceladas de calidad.

Johnny Guitar

Clásico western de 1954 dirigido por Nicholas Ray. La propietaria de un bar-casino contrata a un viejo conocido como pistolero dada la complicada situación que vive. Éste acude entre las ganas de echar raíces y ver qué queda de la relación que mantuvieron.

Espléndida película de Ray, siendo para muchos la mejor del género y una de las mejores de este maestro del cine. Tiene una interesante trama, desarrollada con un guión extraordinario de Philip Yordan basado en la novela de Ray Chanslor. Hay varios diálogos entre los dos protagonistas que se han convertido en auténticos clásicos. Entrelaza una historia de amor complicada con otra de venganza/odio, con grandísimos personajes. Realmente podría haber sido una cinta de cine negro si lo hubiera enmarcado en otro sitio y época, pero el hacerlo en este género le añade una nota de vistosidad por las localizaciones y el vestuario. Lo más importante son los personajes y los turbios lazos que hay entre ellos. Además, las interpretaciones están en estado de gracia, brillando todos los actores a un nivel inmejorable, y ello a pesar de contar con grandes estrellas. Sobresale Joan Crawford, con una luz especial, con unos ojos que atrapan la mirada del espectador, y una cara que lo dice todo. Sin duda, el mejor papel y mejor interpretación femenina en un western. La compañía masculina no desmerece a la Crawford, aunque sin su magnetismo: un estupendo Sterling Hayden, John Carradine, Scott Brady, Ernest Borgnine, Mercedes McCambridge (en uno de los papeles más odiosos nunca vistos),... Destaca la preciosa fotografía de Harry Stradling, con unos bellos parajes en el exterior y unos colores recargados en interior. La fotografía ensalza a la protagonista en multitud de escenas, y ayuda enormemente a que se queden grabadas en nuestra retina. Y sin olvidar la bella partitura de Victor Young.

Imprescindible película del oeste.

El abrazo de la muerte

Película de 1949 dirigida por Robert Siodmark. Un joven se alía con una banda de atracadores arrastrado por una mujer de la que está enamorado. Un amigo le previene de la chica, pues piensa que es una pésima influencia para él y que le acabará trayendo problemas.

La trama es sobre un atraco a una furgoneta blindada, lo que da pie a Siodmark para construir un triángulo amoroso y mostrar el drama que estas relaciones supone para los integrantes. Lo primero que destaca es el guión y el montaje, pues tras arrancar con la "casi" puesta en marcha del atraco, retrocede para mostrarnos ese triángulo comentado. La primera hora la dedica a desarrollar estos personajes y sus relaciones, por lo que estaríamos más ante un drama que otro género. Luego tenemos la parte más trepidante de la cinta, con la preparación del robo y su ejecución, muy bien rodados (incluso más el plan que el propio atraco). La parte final es donde se centra el suspense con el desenlace del triángulo y del asalto. Tiene una buena fotografía de Franz Planer, con algunas tomas y encuadres muy llamativos, y un buen reparto donde brilla sobre todos Burt Lancaster. Le acompañan buenos secundarios como Dan Duryea, Stephen McNally e Yvone de Carlo. Por contra tiene alguna laguna en el guión que le resta credibilidad a la historia, como la supuesta "imposibilidad" de robar un blindado o alguna otra cosa que mejor no desvelar pero que se desmonta por sí sola.

Buen drama con un interesante atraco por medio y todo de buena calidad.

Reservoir dogs

Impactante ópera prima de Quentin Tarantino de 1992. Un grupo de delicuentes se une en una banda para un atraco a un mayorista de diamantes. Sólo el organizador conoce a cada miembro, pues entre ellos utilizan nombres en clave. Pero el atraco no sale cómo estaba planeado...

Sólo una película, ésta, necesitó Tarantino para hacerse un hueco en la industria del cine y que muchos lo consideraran como un director de culto. Se trata de una película poco convencional, pues no se centra tanto en el atraco como en la relación entre los criminales, y no utiliza un desarrollo lineal de la trama (cronológicamente hablando), sino que va mezclando la acción actual con acontecimientos pasados, para presentar a cada uno de los miembros. Una de las piezas clave es su guión, del propio Tarantino, muy calculado para que los fragmentos que vamos viendo vayan encajando en el puzzle y no desmotiven al espectador. Además, está lleno de diálogos apasionantes y apasionados, aunque cargados de palabras malsonantes. Otra clave es el grupo de actores que participan, de la talla de Harvey Keitel, Tim Roth, Steve Buscemi, Chris Penn, Lawrence Tierney, Michael Madsen... Y el último pilar es la colección de piezas musicales conocidas pero repescadas y ensalzadas con algunas escenas creadas para tal fin. Debido a alguna escena violenta y por el propio lenguaje que utiliza, no es apta para corazones sensibles.

Impactante y original, muy interesante.

Las cuatro hermanitas

Primera de las adaptaciones a la gran pantalla de la conocida novela de Louisa May Alcott dirigida por George Cukor en 1933. Narra las aventuras de una familia durante la Guerra de Secesión con el padre en el frente y cuatro hijas de carácter muy diferente.

Cukor era conocido por su habilidad en la dirección de mujeres, lo que aquí puso en práctica. La película tiene las virtudes del libro original Mujercitas adaptado bastante dignamente por Mason y Heerman: recoge muy bien la vida de lo que podía ser una familia normal de la época en esas circunstancias, con las peleas y el amor que se tienen unos por otros. Siendo un drama en su concepción, tiene sus capítulos de humor (especialmente los originados por el carácter juvenil y rebelde de Jo) que hacen que disfrutemos la obra en mayor grado. La dirección es muy homogénea y muy correcta, consiguiendo unas interpretaciones al mismo nivel y no haciendo que destaquen unas sobre otras, a pesar de tener a una protagonista clara: Katherine Hepburn. También destacables la banda sonora de Max Steiner y la fotografía de Henry Gerrard (en algunas escenas la calidad es tal que sorprende que sean de 1933, aunque en otras sí que es más palpable). En resumen, una buena obra, muy compacta, pero que tampoco llega al nivel de otras de su estilo (por ejemplo, Más fuerte que el orgullo) u otras de su director.

Bonita y buena adaptación del clásico.

Ben-Hur

Quintaesencia del cine de romanos, obra maestra del genial William Wyler de 1959. Cuenta la historia de traición y venganza de Judá Ben-Hur cuando su amigo tribuno romano quiere castigarlo para dar ejemplo de dureza ante los rebeldes judíos. Ben-Hur sufrirá todo tipo de sucesos "casuales" para finalmente volver a verse con su antiguo amigo.

Espectacular obra de principio a fin, con el perfeccionismo que caracteriza a este director y mezclando las impresionantes escenas de acción y entretenimiento total con otras más íntimas pero de igual belleza. Todo en la película es redondo sin encontrar nada débil, y apenas ha envejecido (algunos detalles de efectos en la batalla naval), a pesar de haber transcurrido más de medio siglo. Todo brilla bajo la experta batuta del maestro Wyler: el guión de Karl Tunberg basado en la novela de Lewis Wallace (excelente combinación de venganza y piedad que nos va mostrando, con las vidas paralelas de Jesús y Ben-Hur), la música de Miklós Rozsa, la fotografía de Robert Surtees, el montaje, la dirección artística, el vestuario, los efectos especiales, las interpretaciones,... Hay escenas que aún hoy siguen sorprendiendo, como la mítica carrera de cuádrigas, realmente impresionante ejercicio de dirección, aunque hay muchas otras que se han quedado grabadas en la memoria colectiva. Las actuaciones son también extraordinarias, empezando por un magnífico Charlton Heston que realmente se mete en el papel y nos regala una interpretación inolvidable (sus miradas están llenas de pasión, ya sea de bondad o de odio). Los secundarios están soberbios: Stephen Boyd como el traidor y arrogante amigo, Hugh Griffith (ganando el oscar al mejor actor secundario por su papel de dueño de cuádrigas), Jack Hawkins, etc.

Imprescindible obra maestra.

Misión de audaces

Estupenda cinta bélica/western sobre un capítulo de la Guerra de Secesión dirigida por el maestro John Ford en 1959. El ejército yanki manda a un duro coronel con su brigada a destruir una estación de aprovisionamiento confederado en plena zona sudista. Y si no pareciera ya suficientemente complicada la misión, se le impone llevar a un médico con el que no termina de congeniar. Desde el momento en que se adentran en territorio enemigo, las complicaciones sólo crecen.

Ford coge una misión "imposible", pone al frente al Duque, lo enmarca en la Guerra Civil americana y el resultado es una estupenda película a medio camino entre una del oeste y una bélica. Se trata de un episodio real que utiliza para volver a homenajear a la caballería del ejército, aunque en esta ocasión lanzando un mensaje antibelicista. Por un lado muestra el lado heroico de los soldados, pero por otro enseña el dolor, la muerte y el sinsentido de la guerra, desmitificando otras visiones muy generalizadas. Ford demuestra sus dotes tras la cámara y, apoyándose en un buen guión, nos presenta varios personajes fascinantes que coinciden por la maldición de la Guerra. Tiene algunos toques de humor, siendo especialmente ingenioso el de la cena en casa de la sudista. También destaca el duelo interpretativo entre el genial John Wayne y el espléndido William Holden, ambos maravillosos. Es una película muy completa y variada, alternando espectaculares escenas de acción con otras donde se desarrollan más los personajes y nos lanza su mensaje.

Magnífica película del maestro del género.

Fresas salvajes

Clásica película de Ingmar Bergman dirigida en 1957. Un anciano doctor va a recibir un premio honorífico de la Universidad y, en el último momento y debido a un extraño sueño, decide realizar el viaje desde su acrual domicilio en coche en vez de en tren. Realiza varias paradas en lugares importantes de su vida, lo que le hace revivir algunos pasajes que están grabados profundamente.

Bergman vuelve a tratar los temas que tanto le gustan como la relaciones personales, el amor, el sentido de la vida y la muerte. El guión es del propio director, y utiliza un viaje físico para narrar uno más espiritual y, muy especialmente, para dar una retrospectiva sobre sus sentimientos y relaciones de su vida. La película arranca con una gran fuerza, con un anciano contando lo que ocurre y teniendo un sueño surrealista que le hace cambiar de planes. Empieza un viaje que tiene, para el espectador, sus altibajos. Los personajes que va añadiendo al viaje no aportan gran cosa, pero el protagonista sí que es magistral. Además, está interpretado extraordinariamente por Victor Sjostrom, y Bergman lo explota con soberbios primeros planos. Podemos ver y casi sentir sus reflexiones, sus arrepentimientos, sus lamentaciones, sus dudas....y sus temores. La fotografía es absolutamente maravillosa, tanto en interior como en exterior, siendo su responsable Gunnar Fischer. En definitiva, una gran obra que invita a reflexionar cómo vivimos y cómo convivimos con los demás.

Estupenda película, todo un clásico.

El bueno, el feo y el malo

Famoso western de 1966 dirigida por Sergio Leone. Tres pistoleros van a la busca de un tesoro que procede del ejército confederado y que ha sido escondido por uno de los soldados. En la búsqueda se producen muchas aventuras en plena guerra civil americana.

Leone cerraba con esta cinta su peculiar trilogía sobre la búsqueda de dólares (la codicia, podríamos decir), las tres contando con Clint Eastwood como protagonista (que se quejaba que empezó en solitario con Por un puñado de dólares, compartió protagonismo con Lee Van Cleef en La muerte tenía un precio y aquí eran tres los que estaban al frente de la trama). Leone consigue incluso mejorar el resultado conseguido, contando con grandes profesionales en todos los aspectos: Ennio Morricone para la banda sonora, Tonino Delli Colli en la fotografía, la dirección artística, el montaje...El director era un perfeccionista y hacía repetir las tomas desde diferentes ángulos y multitud de veces, para desesperación de los actores. Y el resultado le avaló. Es un western violento pero que hace las delicias de los aficionados al género: duelos, multitud de enfrentamientos, cazarecompensas, sentencias de muerte...y con el marco llamativo de la guerra civil americana (dando su visión del sinsentido que supone una guerra). Leone se luce con su trabajo, brillando en escenas como la del duelo final (considerada por Tarantino como la mejor dirigida de la historia, y la película como la mejor), con un excepcional montaje, y engrandecida con la música de Morricone (yo también añadiría la escena anterior donde "el feo" corre por el cementerio mientras gozamos de la pieza musical). Los actores también están a un buen nivel, destacando sobre todos al excéntrico Eli Wallach como el Feo. Y poco que decir que no se haya dicho ya sobre la melodía de Morricone, absolutamente mítica. La banda sonora en su conjunto es extraordinaria, siendo un referente en le género y una de las mejores de la historia del cine.

Imprescindible obra del género.

La muerte de Lord Edgward

Otra de las seis entregas en que Peter Ustinov encarna al gran detective Hercules Poirot, dirigida en esta ocasión por Lou Antonio en 1985.

Tras las excelentes dos primeras adaptaciones de las novelas de Agatha Christie protagonizadas por Ustinov para la gran pantalla (Muerte en el Nilo y Muerte bajo el sol) esta película fue la primera de cuatro productos que hizo para televisión. En esta ocasión se trata de la novela de idéntico nombre de la maestra del suspense adaptado por Rod Browning. La trama es interesante aunque más sencilla que en otras ocasiones (se puede imaginar enseguida el culpable, aunque no con todos los detalles e implicaciones). Respecto a la calidad de la cinta, se nota que es un telefilme y los medios con que se contaba eran muy limitados. Particularmente pierde varios enteros cuando se ve que los hechos se suceden en el Londres "actual" y no en el que la gran escritora situó al detective. Ustinov está bastante bien pero su pareja protagonista, Faye Dunaway, no llega a ser creíble en ningún momento. Con los secundarios ocurre casi lo mismo, con alguna honrosa excepción. Una de las curiosidades es que el inspector jefe Japp está interpretado por David Suchet, quien posteriormente se dedicaría a encarnar al famoso detective belga durante muchos años para una productora inglesa, dando una serie y películas de bastante calidad.

Entretenida película de misterio.

Gigante

Mítica película de 1956 dirigida por George Stevens. Narra la historia de una joven que se casa con un terrateniente y se marcha desde el civilizado Este hacia el árido Texas. Allí se encuentra un mundo social completamente distinto al que estaba acostumbrada y va descubriendo la enormes diferencias que la separan de su marido. Seremos testigos del discurrir de su vida hasta casi el final de la misma.

Conocidísima cinta basada en la novela de Edna Ferber y adaptada para la pantalla por Ivan Moffat y Fred Guiol. Es una gran historia con aventuras, drama, comedia, avaricia, odio, etc., por lo que es difícil que no guste. El único inconveniente podría ser su excesiva duración, pues se puede contar todo sin perder nada de fuerza restando bastantes minutos. Aún así, el resultado es una gran película, pues es una trama de mucha fuerza contado muy bien, pues rebosa calidad por todos lados: la fotografía de William Mellor, la música de Dimitri Tiomkin, las localizaciones, la dirección artística, el reparto... y todo bajo la magnífica batuta de Stevens. Para protagonizarla eligió a dos de las mayores estrellas del momento, Elizabeth Taylor y Rock Hudson, realizando ambos dos soberbias interpretaciones. Pero lo sorprendente es que, siendo quienes son y con tan buen trabajo, quedasen ensombrecidos por la presencia de un mito: James Dean. Las imágenes de éste en la película han pasado a la Historia del cine y han formado parte de nuestras vidas y las de varias generaciones desde entonces. Su trabajo en esta película es excelente, pero fue su muerte a los 24 años pocos días después de acabar el rodaje (encadenando tres grandes éxitos en 2 años) lo que le elevó a la categoría de mito. También podemos disfrutar de otros grandes secundarios, como de un jovencísimo Dennis Hopper, Mercedes McCambridge, Rod Taylor, Carroll Baker, etc.

Gran película que se hace imprescindible por su enorme popularidad.

Capricho de mujer

Comedia romántica del maestro Mitchell Leisen dirigida en 1942. Una gran estrella del teatro se encuentra por accidente con un bebé y decide quedárselo para convertirse de repente en mamá. Sin embargo las autoridades amenazan con quitárselo a no ser que contraiga matrimonio para poder adoptarlo legalmente. Por ello, la decidida mujer se decide a "cazar" un marido de conveniencia.

Otra gran comedia romántica de este genial, pero poco conocido, director. Vuelve a crear un fondo elegante y clásico, y personajes que entrañan un lado sarcástico, ingenuo o, simplemente, disparatado. El guión de James Edward Grant y Albert McCleery contiene ingeniosos diálogos que van pasando desde la comedia más pura hacia una romántica con tintes cómicos. La puesta en escena es estupenda, plataforma ideal para el lucimiento de su pareja protagonista: una gran Marlene Dietrich (en un registro diferente al habitual de mujer fría y sin escrúpulos) y el maravilloso Fred MacMurray (siempre un placer verlo en pantalla). Tienen buena química, demuestran su mejor vena cómica y, además, están rodeados por brillantes secundarios como Aline MacMahon, Arline Judge o Stanley Ridges. La fotografía de Ted Telzlaff es excelente, con buenos contrastes, definición y claridad.

Simpática y elegante comedia de corte clásico.